jueves, 31 de marzo de 2022
Sebastião Salgado: "La fotografía es una sorpresa eterna"
La Misericordia acoge la inauguración de la exposición de los Premios Fotografía de Montaña 2022
https://www.europapress.es/illes-balears/noticia-misericordia-acoge-inauguracion-exposicion-premios-fotografia-montana-2022-20220331194451.html
La nueva tecnología que cambiará la fotografía para siempre.
https://www.elconfidencial.com/tecnologia/novaceno/2022-03-28/fotografia-inteligencia-artificial-instant-nerf-nvidia_3399124/
miércoles, 30 de marzo de 2022
El campeón del mundo de fotografía submarina muestra imágenes el único animal con el que ha pasado "miedo": "Su cara de dinosaurio impresiona"
https://www.lasexta.com/programas/zapeando/mejores-momentos/campeon-mundo-fotografia-submarina-muestra-imagenes-unico-animal-que-pasado-miedo-cara-dinosaurio-impresiona_20220311622b6e2ee2af800001e866d3.html
Martín Chambi, un pionero de la fotografía latinoamericana
https://es.ara.cat/estilo/martin-chambi-pionero-fotografia-latinoamericana_130_4320746.html
La nueva tecnología que cambiará la fotografía para siempre
https://www.elconfidencial.com/tecnologia/novaceno/2022-03-28/fotografia-inteligencia-artificial-instant-nerf-nvidia_3399124/
El resurgir de la cámara analógica choca con la escasez de carretes
Fujifilm abandona progresivamente la fabricación de películas fotográficas, pese a que todavía existe una importante demanda
En tiempos de inmediatez, la espera brinda emoción. En los últimos años la cámara analógica ha despertado de su largo letargo. Después de la irrupción de la cámara digital y de las fotografías con teléfonos móviles, algunos consumidores deseaban volver a aquello más artesanal.
“Yo siempre digo que hay tres tipos de usuarios de fotografía analógica: los que han estado siempre y vivieron la época dorada, la decadencia y el resurgir; los que se iniciaron junto a sus padres y después de probar el digital volvieron; y los jóvenes que no lo han vivido, pero ahora se han interesado por ella”. Habla Juan Nieto, propietario de la tienda Foto Carrete, un portal online especializado en fotografía analógica. No obstante, este resurgir de lo artesanal ha topado con la negativa de las empresas de películas que, a pesar de aumentar su demanda de consumidores, se resisten a ofrecer más carretes. “Esta escasez no está provocada por el Covid, desde hace años vivimos un parón internacional, especialmente del modelo de película Fujifilm C200 para cámaras de 33 milímetros”, asegura Josep Calvo, de la tienda Visualkorner de Barcelona.
Cada año, menos carretes y más caros
Ahora mismo la mayor parte de la oferta de color la satisface Kodak con su película ColorPlus 200. “Es una de las películas negativas en color de 35 mm más baratas que todavía están disponibles”, explican desde Foto Carrete. Pese a que Kodak quebró en el año 2012, sus carretes siguen a la venta. “Han sacado dos películas nuevas que antes no existían. Aunque la empresa madre haya cerrado, tienen diferentes líneas de producción como Kodak Alaris”, explica Pozuelo.
Pero la bajada de producción de Fujifilm hace que Kodak cada año suba el precio de sus mercancías. “De 1 de enero de 2020 a 1 de enero de 2021 han subido de precio un 65 %”, señalan desde Foto Carrete. Ahora mismo, un carrete de esta marca con 36 fotos tiene un precio de 7,49 euros. “He dejado la fotografía porque no puedo permitírmela”, explica de manera concisa y clara Alejandría Cinque, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y antigua fotógrafa.
Antonio, el fotógrafo jubilado que enseña la fotografía analógica
Este fotografo ya jubilado no ha perdido la pasión por su oficio como lo aprendio, el analógico
Los jóvenes buscan carretes: el auge de la fotografía analógica en plena era digital
Empezó a caer en picado a partir de los 2000, pero ahora la fotografía analógica vuelve a estar más viva que nunca y no renuncia a los beneficios que le aporta lo digital
"¿Por qué están agotadas en todas partes?" pregunta un joven que busca, ya desesperado, una cámara desechable de la marca Kodak un jueves de agosto. “Siempre compro cuando hago viajes y ahora en verano están ‘agotadísimas’ en todas partes. Amazon, El Corte Inglés, Fnac, Media Markt”. Ha dado con ella, por fin, en Fotocasión, una tienda de fotografía situada en la misma calle donde se monta el tradicional rastro madrileño cada domingo. En la cuna de lo ‘vintage’ y de los objetos de segunda mano. Unos minutos antes una pareja entraba buscando hacerse con un kit de revelado, poco después otro joven pide varios carretes. En los últimos dos años los empleados de este comercio han notado un apogeo exagerado entre el público más joven, que acude al establecimiento en busca de cámaras y películas, dispuestos a lanzarse al mundo de lo analógico en pleno auge de lo digital.
La tecnología avanza y las cámaras actuales captan la imagen, cada vez más, al detalle. Las memorias de nuestros dispositivos se llenan de fotografías que tomamos siempre que queremos, basta con echar mano al bolso, o al bolsillo, y coger nuestro móvil. Pero, mientras las marcas luchan por lanzar el ‘smartphone’ que haga las mejores fotografías del mercado, la estética de lo 'vintage', de la imagen imperfecta, se abre paso. Proliferan las ‘apps’ que dan al instante capturado un aspecto analógico. Huji Cam o Dazz Cam son algunas de ellas, que incluyen efectos como destellos de luz, matices verdes, viñeteado, manchas o grano. Redes como Instagram, por su parte, acogen el resultado de carretes revelados por sus usuarios, que experimentan esa emoción tan del siglo pasado de esperar impacientes al fruto de sus capturas, aunque ahora las recogen, también, en formato digital.
martes, 29 de marzo de 2022
Filtros para fotografía de naturaleza, ¿siguen teniendo sentido? Los profesionales opinan
https://www.photolari.com/filtros-para-fotografia-de-naturaleza-siguen-teniendo-sentido-los-profesionales-opinan/
José Lavota. Cuarenta años de fotografía arqueológica española (1975-2014)
https://www.laopiniondezamora.es/ocio/agenda/jose-lavota-cuarenta-anos-fotografia-64362550.html
La fotografía de 'Dune' y otros blockbusters son ahora obras de arte. Un hombre tiene la culpa: Greig Fraser
https://www.xataka.com/cine-y-tv/fotografia-dune-otros-blockbusters-ahora-obras-arte-hombre-tiene-culpa-greig-fraser
¡Increíbles! Los ganadores del premio de fotografía mundial de la naturaleza 2021 (Eva Moro)
https://www.elespectador.com/ambiente/increibles-los-ganadores-del-premio-de-fotografia-mundial-de-la-naturaleza-2021-noticias-hoy/
Exposición de fotografía de la RBALE 2022 ‘La otra mirada’ (Eva Moro)
https://www.cope.es/emisoras/castilla-y-leon/leon-provincia/bierzo/y-ademas/noticias/exposicion-fotografia-rbale-2022-otra-mirada-20220328_1993101
La nueva tecnología que cambiará la fotografía para siempre (Eva Moro)
https://www.elconfidencial.com/tecnologia/novaceno/2022-03-28/fotografia-inteligencia-artificial-instant-nerf-nvidia_3399124/
Este fotógrafo viajó a Groenlandia para retratar el deshielo (y estas son sus conmovedoras imágenes)
Olaf Otto Becker ha viajado 14 veces al Ártico, sus fotografías son un reflejo de la crisis climática
Empezamos a apreciar el cambio climático, y a creernos un poquito que existe, cuando de repente en invierno no llueve en un mes, cuando vemos que la sequía azota nuestros campos, cuando nos ponemos a 38º en pleno mes de abril… Pero el cambio climático hace más tiempo que existe, y muchos llevan alertando y documentándolo desde hace una década.
Es el caso del fotógrafo alemán Olaf Otto Becker, que dedicado a la fotografía paisajística desde hace más de 30 años, ha realizado numerosos trabajos como ‘Broken line’ en Groenlandia -donde llegó por primera vez en 2003-.
“En 2002, después de mis propias observaciones e investigaciones en Islandia, me di cuenta por primera vez que íbamos a tener un gran problema debido a la crisis climática. Esta fue la razón por la que planeé y realicé mi proyecto en Groenlandia. En 2003 envié un barco y mucho equipo a allí. Quería explorar la costa oeste en varias etapas y durante varios años”, explica Olaf a Traveler.es
Fue entonces cuando entendió que el primer lugar donde el calentamiento global sería visible sería en el Ártico. Entonces, continuó viajando, así hasta 14 veces. “Este trabajo lo publiqué en el libro ‘Broken Line’, que fue galardonado con el German Photo Book Award. En 2007 y 2008 realicé dos expediciones a pie en el hielo, tierra adentro, con mi asistente Georg Sichelschmidt para mostrar el deshielo en el glaciar más grande del mundo”, cuenta.
Estas imágenes se materializaron en otro de sus libros, ‘Above Zero’, y dieron la vuelta al mundo. Así fue como empezó a colaborar con las principales agencias climáticas y con científicos de la NASA, la Universidad de Colorado y otros importantes departamentos de investigación. En 2017, publicó su tercer libro ‘Ilulissat’, dedicado a los icebergs, y en 2020, su último libro ‘Siberian Summer’.
Sonda toma la fotografía más cercana (y nítida) del sol
La sonda solar Orbiter, enviada al espacio para mostrarnos a detalle nuestro sol, captó la fotografía más nítida de la historia (y cercana) de la estrella caliente; así lo dieron a conocer las agencias espaciales de Europa (ESA) y Estados Unidos (La NASA). A decir verdad, la concepción que tenemos hasta ahora del sol no cambia con esta fotografía, pero si nos da más detalles de él.
La sonda Orbiter se posicionó a 46.6 millones de millas (75 millones de km) del sol, la distancia más corta a la que ha llegado ‘el hombre’; exactamente a mitad de camino entre la tierra y el sol. De esta manera marcó un hito en la historia espacial, tomando la fotografía con “mayor resolución”; esto por medio del instrumento a bordo de la sonda: Extreme Ultraviolet Imager (EUI).
Finalmente, la imagen que obtuvieron los científicos contiene al menos 83 millones de pixeles en una cuadrícula de 9,148 x 9,112 pixeles, se lee en la publicación de la ESA. Es decir, la imagen que capturó la sonda tiene una resolución 10 veces más nítida que una pantalla de un televisor en 4K.
Las imágenes fueron tomadas por Orbiter el pasado 7 de marzo, día en el que se esperaba estuviera exactamente en ese punto del viaje. La sonda fue lanzada en febrero del 2022 y se planea realizar una serie de órbitas que la acercan cada vez más al sol. Es decir, lo más probable es que pronto tengamos fotografías más cercanas y detallas de nuestra estrella.
https://www.enter.co/cultura-digital/ciencia/sonda-toma-la-fotografia-mas-cercana-y-nitida-del-sol/
¡Caretas fuera! Cuando la fotografía sacó a la luz la verdadera cara de los gobernantes
En la historia del arte ocurre un fenómeno que se parece mucho a los filtros que las nuevas aplicaciones permiten ponerle a cualquier fotografía. Las tersas pieles y las miradas penetrantes que vemos en las redes ya nos hacen sospechar en más que probables montajes, pero ¿desde cuándo se les ha puesto filtros a los retratos? La verdad es que desde siempre.
Así podríamos seguir con los cuadros esponsales que, a modo de Tinder, se usaban para buscar pareja a reyes y reinas y, por supuesto, los retratos con los que ser recordado, en los cuales las fantasías llegan a tal punto que se representan a los reyes con ángeles y santos.
Sin embargo, salvo un concienzudo examen científico, nunca sabremos cuánta mandíbula se le disimuló a Carlos I o cuánta nariz se le restó de verdad a Carlos III.
Por ello, todo este negocio de 'cirugía estética' se vino abajo en el siglo XIX cuando a raíz de la fotografía, se empezó a captar la realidad con toda su crueldad. La víctima más famosa fue: Isabel II.
Nos trasladamos a 1852, cuando llegó a la Villa y Corte el pintor alemán Franz Xaver Winterhalter. Este gran retratista era conocido por su pericia a la hora de inmortalizar a numerosos monarcas europeos con cuidadoso gusto romántico y un estilo tan primoroso que difícilmente sería rechazable por la veinteañera que reinaba en España.
Y así fue, terminado el cuadro se podía apreciar a una espectacular muchacha de ojos claros, esbelto cuello y delicados hombros, cuyo regio porte le hacía merecedora de todas las coronas y títulos que fuera menester. Lamentablemente para la reina, aquel derroche de bondades pronto se vio cuestionado con la irrupción en palacio de la cámara de Charles Clifford, uno de los primeros fotógrafos de España y verdadero pionero en infinidad de técnicas.
Con el pasar de los años los fotógrafos aprenderían a retocar. Pero estas fotografías iniciales, eran tan honestas como sencillas y, desde luego, es difícil saber si causaría buena impresión en la reina… Pues por suerte o por desgracia, aquella nueva técnica parecía preocuparse más por el realismo que por la realeza.
https://www.elplural.com/regreso-al-futuro/caretas-fuera-cuando-fotografia-saco-luz-verdadera-cara-gobernantes_286799102
domingo, 6 de marzo de 2022
La fotografía en Ucrania
El arte fotográfico es otra manifestación cultural de gran desarrollo en Ucrania. Muchos artistas del lentes exponen sus obras a lo largo y ancho del mundo y son reconocidas por su alta calidad.
A principios de los años 70, ocho fotógrafos de la ciudad Járkiv se unieron para luchar contra la estética soviética del realismo Socialista y formaron un grupo clandestino creador de la Escuela de Fotografía de Járkiv, cuyo estética es hoy la base de investigación artística de nuevos creadores.
En 2010, Misha Pedan y Roman Pyatkovka, fotógrafos de la “segunda generación” de Járkiv fundaron la Alternativa Fotográfica Ucraniana para apoyar el desarrollo de la fotografía contemporánea en el país.
Hoy, las obras de fotógrafos como Borys Mikhailov forman parte de las exposiciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y, entre otros, de la Galería Tate de Londres.
En la Primera y Segunda Guerra Mundial ya se hacían fotos a color (y no coloreadas): así era el arduo proceso para hacerlas
La primera fotografía en color que se conserva (seguro que aparecerán testimonios más antiguos en libros o en el fondo de algún almacén) es de 1861. Y está hecha con una técnica que se emplea hoy en la fotografía digital. El físico James Clerk Maxwell hizo tres disparos con tres filtros en el frontal del objetivo (rojo, amarillo y azul) y luego impresionó esos tres negativos en un mismo papel con sus respectivos filtros. La tricromía es el origen del famoso RGB que utilizamos hoy.
No era un procedimiento sencillo y, además, exigía que el objeto no se moviera. Pero la ciencia siguió avanzando. Y en 1907 se empezó a comercializar el primer proceso en color de la mano de dos viejos conocidos, los hermanos Lumiére, los inventores de la fotografía en movimiento, el cine.
La placa autocroma fue el proceso dominante hasta la llegada de la famosa Kodachrome en 1935, una película diapositiva que hasta tiene una canción. Después surgió su gran competidora, la Agfachrome en 1936, de la empresa alemana Agfa, que tuvo problemas de distribución debido a la Segunda Guerra Mundial.
Así que, si buscamos, podemos encontrar fotografías en color de las dos grandes guerras mundiales. Tampoco hay muchas por un sencillo motivo: fotografiar en color era sumamente complejo y encarecía mucho el trabajo. Pero a sus autores les evitó acudir al popular coloreado de imágenes para encontrar los rojos, verdes y azules de aquellos años.
Los inicios de la fotografía en color
La fotografía supuso una verdadera revolución cuando apareció a mediados del siglo XIX. Pero era en blanco y negro, y la gente estaba acostumbrada al color en las obras de arte o en los retratos que encargaban a los artistas. El blanco y negro probablemente les recordaba más a los grabados.
Así que en los grandes estudios de la época tenían talleres de coloreado para iluminar las fotografías y ofrecer ese servicio. Las investigaciones se aceleraron para conseguir el color de un modo directo, menos artesanal, sin recurrir a los pinceles y a las tintas.
Como curiosidad, podemos ver hoy en día grandes clásicos del cine mudo con el color, con el que pintaron los negativos, restaurado. La gente quería ver en color a toda costa y todos los estudios pintaban iluminaban la película de la misma forma que se hacía en la fotografía.
En todas las historias de la fotografía nombran 'Tartan Ribbon' (cinta de Tartán) como la primera en color. Su autor, el que disparó la cámara, fue Thomas Sutton. Y durante todo el proceso estuvo dirigido por el físico británico James Clerk Maxwell.
Eran dos eminencias en sus terrenos. El fotógrafo Thomas Sutton es el inventor de la cámara réflex, y James Clerk Maxwell formuló la teoría de la radiación electromagnética. Y juntaron sus caminos profesionales para lograr semejante hito.
Santiago Ramón y Cajal, uno de nuestros científicos laureados con el Premio Nobel, publicó en 1912 'La fotografía de los colores'. Profundizó en los conceptos esgrimidos por James Clerk Maxwell (mejorados treinta años después por los científicos Thomas Young y Hermann Helmhotz) y escribió uno de los mejores libros sobre el tema.
Como él mismo dejó escrito, no dejó patentados sus avances por el poco interés de la industria y la ausencia de fabricantes de placas en España.
Todo siguió por otro camino. Y poco a poco la fotografía a color fue apareciendo en los medios. Las placas francesas Autochrome eran las dominantes en el mercado (la última remesa se vendió en 1955). De hecho, las fotografías en color que podemos encontrar de la Primera Guerra Mundial son autocromos o placa autocroma, como prefiráis llamarlas.
Y no fue hasta 1935 cuando dos músicos, Leopold Mannes y Leopold Godowsky, revolucionaron la historia de la fotografía. Fueron contratados, gracias a sus estudios científicos, por George Eastman, el dueño de Kodak, para sacar al mercado una diapositiva que lograba la reproducción más fiel del color. El problema es que solo se podía revelar en laboratorios autorizados. Y era un proceso extremadamente complejo:
Idearon una película negativa (sí, negativa) en blanco y negro (sí, en blanco y negro) con tres capas sensibles a los tres colores primarios, que se añadían en procesos de baños y exposiciones a luces de distintos colores. De esta manera, los tonos en color se unificaban en una película en blanco y negro que se tintaba en color.
Esta mítica película duró 70 años en el mercado. Dio nombre a un parque nacional en el estado de Utah, Paul Simon le dedicó una canción y cambió todo para siempre. Eso sí, podías tardar dos semanas en ver el resultado de tus vacaciones.
La fotografía a color en las guerras mundiales
Por lo que hemos contado más arriba, no debería resultarnos extraño ver fotografías en color de las dos grandes contiendas del siglo XX. Pero nos llaman mucho la atención la atención los trabajos de los fotógrafos que se atrevieron a registrarlo todo de otra forma, más realista, durante ambas guerras...
Podemos destacar los trabajos de Hans Hildenbrand en el frente alemán, y de Jule Gervais-Courtellemont en el frente francés durante la Primera Guerra Mundial. Como la mayoría de las fotografías que se tomaron en aquella contienda, eran posadas. La sensibilidad a la luz de aquellas placas era escasa y no quedaba más remedio que escenificar los disparos. Y está claro que no se hicieron en el frente de batalla.
Tenían toda la libertad para plasmar la destrucción de los pueblos y ciudades. A muchos nos deja sin habla ver las ruinas al fondo con los soldados relajados, mucho más cercanos a un cuadro que a una fotografía de guerra tal como la entendemos ahora.
Trabajaron con los autocromos, con una sensibilidad de 8 ISO. Solo podían hacerlo a plena luz del día y rogando a quién fuera que nadie se moviera durante la exposición. Y consiguieron una serie que todavía hoy nos impresiona.
Durante la Segunda Guerra Mundial la tecnología cambió. Recordemos que en 1935 apareció la Kodachrome. Salió adelante porque sus inventores, los músicos que mencioné antes, querían ver el color real en sus fotografías. Y la verdad es que impresiona la calidad de una película única.
De nuevo son imágenes posadas, nada de escenas de lucha, y como novedad, alguna que otra instantánea en la que se ve al pueblo celebrando la victoria de sus ejércitos. Pero la mayoría son fotografías de maniobras y prácticas bien iluminadas, porque todavía tenían un ISO 10.
La mayoría están disparadas con un flash para compensar la escasa sensibilidad a la luz. No destacan por su naturalidad. Parece que estamos viendo cuadros en vez de fotografías. Pero la tecnología no daba para más. Para que os hagais una idea, en 'El mago de Oz' (1939), una de las primeras películas en color, era tanto el calor que generaban todos los focos que eran necesarios para iluminar el escenario que los termómetros subían a más de 40º.
Las grandes revistas empezaron a demandar fotografías en color. Y podían llegar a pagar el doble que por una imagen en blanco y negro. Pero los tiempos no acompañaban. Una fotografía en blanco y negro se podía revelar en un casco en una noche cerrada. Y ya sabéis lo que tardaba en revelarse una diapositiva de Kodak...
Como anécdota podemos contar que el mismo Robert Capa, el fotógrafo de guerra por excelencia, ávido de dinero, intentó una y otra vez disparar en color. Pero jamás destacó en este campo. Al final solo le salían imágenes postaleras sin ninguna armonía.
Porque no es fácil fotografiar en color. Mucha gente pregunta si es más difícil que el blanco y negro. La respuesta es sencilla: por supuesto. No solo tienes que estar pendiente de la luz, también de la armonía de los colores y su relación con las formas.
Una de las aplicaciones más espectaculares de la IA en todo su esplendor: así es como vídeos con más de 100 años parecen grabados ahora
Algunos dicen que con el color pueden sentir más cerca el horror. Y que por este motivo aplauden el coloreado artificial de las imágenes. Pero después de ver estas fotografías puedo decir que el horror siempre se ve bien de cualquier forma. Y que lo mejor sería que tales acontecimientos nunca se hubieran producido.
El Chino López, fotógrafo personal de Pablo Escobar
«Me dijo que había terminado siendo lo que siempre quiso ser: un bandido». Edgar Jiménez, más conocido como El Chino, resume así la trayectoria de su amigo Pablo. Compañero de escuela, este alumno que ya apuntaba maneras como asaltador de tumbas, jalador de carros o ratero de baja estofa es ahora un mito.
Porque detrás de ese nombre común se alinea un apellido aplastante: Escobar. La combinación deriva en el título de mayor narco de Sudamérica. En un personaje de dimensiones descomunales. Tanto por el negocio que manejaba con la cocaína -hasta el 80% del tráfico mundial-, como por la leyenda forjada. Películas, libros y, sobre todo, la serie Narcos lo han vuelto a poner en el tintero 24 años después de su muerte. Su fotógrafo lo retrató en los lances privados como aquel «muchachito normal y corriente» con el que compartía los recreos.
La conversación tiene lugar en el cementerio Jardines Montesacro de Itaguí, frente a la tumba de Pablo Escobar y familia. No se puede decir que sea un santuario de culto, pero el goteo incesante de visitantes anima la mañana. A pocos kilómetros de Medellín, esta loma ofrece un panorama implacable de la ciudad que siempre quedará ligada al cártel que él mismo montó. El mayor del mundo en su momento. El inicio de la droga como tema de Estado y como fuerza de peso para librar una guerra con miles de muertos.
«Él nació en diciembre de 1949, me sacaba cuatro meses», dice Jiménez, que a sus 67 años conserva el mote de El Chino por su ininteligible dicción y mantiene su oficio como fotógrafo y documentalista. «Coincidimos en secundaria, donde Pablo era popular por ser hermano de Roberto Escobar, El Osito, uno de los mejores ciclistas de Colombia. De estudiante digamos que era regular».
Su vecino de pupitre dejó pronto los estudios. La vida de malandro le alejó del aula pero no le hizo un chico marginal. En sus fechorías estaba junto a su primo y siempre cuidó de su familia. Acudía con El Chino al Liceo Antioqueño, donde también se formó el otro nombre célebre de la ciudad: Fernando Botero. Provenía de Rionegro, una población campesina, y había descubierto el contrabando. La marihuana y la cocaína fueron sus productos de temporada hasta que dio un salto y pasó a coordinar entregas en el extranjero.
A partir de entonces, la historia es de sobra conocida: millones de dólares por todo el continente, extorsión generalizada, sicariato para los traidores, mansiones repartidas por el departamento de Antioquia donde se escondía de las fuerzas de seguridad y una ley de fácil disyuntiva: plata o plomo.
«Perdimos el contacto en el año 67 y lo retomamos en el 80», recuerda Jiménez, que se graduó, aprendió algunas técnicas fotográficas y colaboró en medios como Medellín Cívico o publicaciones de partidos políticos. Un intermediario de la Hacienda Nápoles -la residencia más popular de Escobar, donde albergaba su colección de coches de lujo o camadas de hipopótamos traídos de África- fue en su busca. El Chino ya conocía, como medio mundo, sus peripecias. Cuando lo vio de nuevo se encontró con un hombre «normal». «Uno sabía que era un mafioso de quien todo el mundo quería hacerse amigo», aclara. Sin apreciar la mota del tiempo que los había separado, se entendieron desde el principio. «Nunca sacábamos el tema de sus negocios en las charlas. Uno nunca preguntaba. Y él sabía muy bien a quién involucrar y a quién no».
Lo más probable es que El Chino no estuviera contando esto hoy si hubiera tenido algo que ver en los tejemanejes de Pablo. Pero mantuvo su papel de colega que acudía a las fiestas y registraba los instantes junto a los suyos. Bodas, bautizos, comuniones. Cada festejo le avisaban por algún mediador y le conducían hasta el lugar sin más información que la necesaria.
Escobar ya manejaba inmensas cantidades de dinero y quería optar por un perfil bajo. Poco a poco, fue desvelándose. Empeñó dinero en comunidades pobres, lideró una campaña al Congreso en 1982 y aumentó la brecha entre su círculo de confianza y sus enemigos. «Antes de la muerte en 1984 de Rodrigo Lara Bonilla (ministro de justicia), asistía a muchas fiestas. Este asesinato fue el fin de la época dorada de Pablo», apunta. A partir de ahí, «su destino estaba sellado». Vivió huyendo, en la clandestinidad.
Incluso en tal situación, Escobar se comportaba como en aqullos recreos del barrio Robledo de Medellín cada vez que se veían. «El hecho de que fuéramos amigos de instituto, donde se forjan las amistades más fuertes, hizo que no cambiáramos. Y mientras unos le llamaban Patrón o jefe yo seguía diciéndole Pablo», comenta El Chino. «Él era una persona corriente. Carismático, atractivo. El dinero no lo cambió y no sucumbió al veneno de la droga», incide.
Según El Chino, la vertiente altruista no era mera fachada: «Habíamos vivido las revoluciones latinoamericanas. Comulgábamos con las ideas del Che o de Fidel Castro, de los jipis, del Mayo francés. Pablo era de izquierdas y su sentimiento de ayudar a los pobres era genuino. Odiaba la oligarquía y las élites», dice, a pesar de reconocer que uno de los dichos de Escobar era que «hasta los más ricos de Colombia eran pobres a su lado» y de que en 1987 llegó a ocupar el cuarto puesto de mayores fortunas en la revista Forbes.
Hay dos anécdotas que rememora entre risas. Una versa sobre un partido en la Hacienda Nápoles. Jiménez, miope de nacimiento, no conseguía tener las gafas sin empañar y entraba a destajo. «Ya le había dado unas cuantas veces y en una le tiré. Era el único que se atrevía a tirarle. Entonces me dijo: 'Chino, tómela con calma'». Otra vez, al ser requerido para unas fotos, intentaron dar con él durante todo el día. Dejaron recados pero el fotógrafo olvidó devolverle la llamada. Por fin, uno de sus voceros dio con él y le espetó: «Chino, hijueputa malparío, vos sos el único que El Patrón le necesita y no te ponés pilas. Esperá que ya te lo paso».
Tras distanciarse del hombre más buscado de Colombia, El Chino continuó con su vida de reportero gráfico. A menudo recorría los barrios que había restaurado su amigo. «Se decía que era muy buen amigo y muy mal enemigo: o estabas con él o contra él, no perdonaba», describe. «Pero su declive y el trágico final ya se percibían», aclara El Chino, quien despotrica contra la serie Narcos. «Es un adefesio», exclama, repasando los «tres grandes fallos» que cometió Escobar: «El primero, lanzarse a la política; el segundo, ordenar el asesinato del ministro Lara Bonilla; el tercero, asesinar en La Catedral [la cárcel que se construyó] a sus propios socios Gerardo Quico Moncada y Fernando El Negro Galeano». «Fue adulado por el poder y quiso encontrar la inmunidad parlamentaria por la espada de Damocles de la extradición», indica Jiménez.
No le salió bien y su legado ahora es «nefasto». «Todavía sufrimos las consecuencias del cambio de valores que impuso. Cuando éramos estudiantes queríamos culminar una carrera profesional. Con el auge del narcotráfico, los muchachos han aprendido que la intimidación y la muerte eran un medio poderoso para conseguir dinero fácil. Su fallecimiento fue un respiro para el mundo, pero su sombra aún azota nuestro país».
«Vi la faceta buena. La mala, la de bandido, no. Porque yo no lo era y no tengo un peso. Los bandidos son los que más tienen», sonríe. «Pablo tuvo dos caras. La buena es la que sale en mis fotos: un hijo, esposo y padre amoroso. La mala está bien documentada en periódicos, libros y películas».
Su compañero de estudios, amigo y fotógrafo personal atestigua que en Pablo también habitaba «un ser amable, sencillo, cálido, altruista y generoso» con la gente necesitada. «A pesar del monstruo en que se convirtió, su muerte me produjo un sentimiento complejo de tristeza por el amigo que se va, y a la vez de alivio porque ya no podía causarle más daño a la sociedad», reflexiona. «El poder logró corromperlo. La clase política corrupta lo utilizó para financiar sus campañas y luego lo abandonaron. Pablo castigó violentamente esa hipocresía de las élites y, de paso, se llevó el mundo por delante».
sábado, 5 de marzo de 2022
Así es la exposición inaugurada en A Coruña de Peter Lindbergh, el fotógrafo que retrató la belleza de lo natural en las 'top models' de los años 90
https://www.lasexta.com/noticias/cultura/asi-exposicion-inaugurada-coruna-peter-lindbergh-fotografo-que-retrato-belleza-natural-top-models-anos-90_2021120461ab9fd645438900013a9fb4.html
Lomography celebra su 25 Aniversario con tres de sus modelos más populares en edición limitada
Probando un carrete de fotos en color Kodak Ektar 25 caducado hace más de 30 años
viernes, 4 de marzo de 2022
