Se acaban de fallar los premios de este año y la tendencia ha sido clara: cero manipulación.
Tras el escándalo de algunas fotos premiadas en años anteriores que usaron rellenos generativos por IA para limpiar fondos, el jurado de 2026 ha sido el más estricto de la historia. Esto ha devuelto el prestigio al fotoperiodismo puro, donde el valor reside en "estar allí" y no en "editar bien".
Tras años de debate, la mayoría de las cámaras nuevas (Sony, Canon, Nikon) ya incluyen de serie el protocolo C2PA.
¿Qué es? Es una "matrícula digital" que certifica que una foto ha sido captada por un sensor óptico y no generada por IA.
Noticia: Las grandes agencias de prensa han empezado a rechazar este mes cualquier imagen que no traiga este certificado de origen desde el RAW.
El corazón de la X5, reside en sus nuevos sensores de 1/1,28" un 144% más grandes que los de su predecesora, que permiten capturar más luz y ofrecer, una calidad de imagen superior a todas las condiciones. Esto se traduce a un video 360º a 8K y 30 fps, con un supermuestreo desde 11k que garantiza una fidelidad excepcional.
Gracias al nuevo modo PureVideo, potenciado por IA, la cámara brilla también en escenas nocturnas o con poca luz, ofreciendo secuencias nítidas y cinematográficas. Además el HDR Activo se ha mejorad a 5,7K y 60fps, ideal para escenas con alto contraste fluida y detallada.
Nacido cerca de París, en Le Havre, en el seno de una familia muy vinculada a la creación cinematográfica, su relación con las cámaras de fotos comenzó cuando sólo era un adolescente. "Era joven y vivía en el norte de Francia. No tenía ni idea de qué quería hacer, estaba perdido, y mi padrastro me regaló una cámara de fotos antigua" relataba.
De formación autodidacta, se introdujo en el mundo de la moda gracias a Hans Feurer a comienzos de los años setenta. Pronto se trasladó a Nueva York donde, tras trabajar para la revista Glamour, dio el salto a Vogue, cabecera que le catapultó al estrellato. 12 años de parón en los que firmó un acuerdo de exclusividad con Harper’s Bazaar no impidieron que volviera a Condé Nast en 2004 con más fuerza que nunca. En el año 2006 su hijo menor, Victor, comienza a trabajar con él. Juntos se convirtieron en un gran equipo : “Me encantó que quisiera seguir mis pasos”, confesaba él.
Acostumbrado a llamar “bebé” a las modelos con las que trabaja, entre sus logros se cuentan retratos a todo tipo de celebridades –desde Angelina Jolie a Roy Lichtenstein–, cientos de portadas, carteles de películas, campañas icónicas, portadas de discos y retratos a Lady Di a solas o junto a sus hijos, algunos de sus trabajos más célebres: “Su llamada fue una sorpresa. Era la primera vez que un fotógrafo no británico hacía un retrato oficial de un miembro de la familia real”.
Noticia: https://www.vogue.es/articulos/patrick-demarchelier-fotografo-modaCuando se trata de separar obra y artista, a lo largo de la historia, es fácil encontrarse generalmente con un doble rasero. La obra de Artemisia Gentileschi, por ejemplo, en muchas ocasiones ha quedado eclipsada o vinculada a la violación que sufrió a manos de su maestro. Sin embargo, al recordar a Caravaggio, ¿quién relaciona el asesinato que cometió con el tenebrismo de sus lienzos?
De la misma manera, la obra de Ana Mendieta ha quedado ensombrecida por el trágico y macabro fin que sufrió a la corta edad de 36 años, cuando “cayó” desde una ventana a 34 pisos de altura tras haber discutido con su marido, el artista Carl Andre. A veces da la sensación de que mujeres como Mendieta o Gentileschi ni siquiera son recordadas por lo que hicieron con su vida u obra, sino por lo que se les hizo. Mientras Andre fue absuelto de todos los cargos por asesinato y su trayectoria como artista prolífico continuó intacta hasta su muerte el año pasado, Mendieta fue robada del mundo demasiado pronto, y desde entonces el mundo vive con la ausencia de Mendieta, de su mirada y de todo lo que podría haber sido. Sin embargo, hay espacios que actúan como receptáculo de su memoria y legado artístico. El MoMA es uno de ellos.
El museo expone actualmente una treintena de obras de la artista cubana y acaba de disponer otra de sus salas para albergar tres de sus películas en formato Super 8. Ana Mendieta fue una artista multidisciplinar que materializó su extensa obra en diferentes formatos: pintura, escultura, fotografía, performance… La sala 411 pone ahora el foco en la dimensión cinematográfica de su carrera, una pequeña porción de la totalidad que abarca su obra.
Los films documentan algunos resquicios de su serie Silueta -y de obras posteriores-, un trabajo performático que desarrolló entre 1973 y 1978 y que fluctuó entre el body y el land art, género que ella misma bautizó como earth-body. Silueta es una colisión entre conceptos y disciplinas que abarca la transformación, la integración del cuerpo y el paisaje, la identidad y la conexión con el universo mismo.
Las tres cintas expuestas aluden directamente al proceso de metamorfosis entre su propio cuerpo y la naturaleza, y están grabadas en diferentes localizaciones que marcaron la vida de Mendieta: Cuba, su tierra natal, que abandonó durante su niñez huyendo del régimen castrista y a la que no regresó hasta unos años antes de su muerte; Iowa, donde tras pasar la adolescencia en diferentes hogares de acogida se formó académicamente como artista y entró en contacto con diversas corrientes feministas —en esta etapa, el brutal asesinato y violación de una compañera de la universidad marcarían su obra de sangre y violencia—; y México, lugar donde abrazó al completo sus raíces latinoamericanas y desarrolló un gran afán por la cultura tolteca, las diosas paganas de antaño y la santería cubana, lo cual se vería reflejado en su arte a través de elementos como plumas, agua, fuego, polvo teñido o sangre animal como alusión sacrificial y espiritual.
Las imágenes que está enviando la misión Artemis II rumbo a la Luna han reavivado un debate inesperado: qué marcas y qué tipo de cámaras están dominando la fotografía espacial actual. Más allá del impacto científico e histórico de las fotos, la conversación gira ahora en torno al equipo utilizado y a cómo ha cambiado la manera de fotografiar el espacio respecto a misiones anteriores.
Aunque pueda sorprender, la NASA sigue confiando en cámaras relativamente antiguas como la Nikon D5, una réflex profesional con casi una década a sus espaldas, acompañada por una Nikon Z9 modificada específicamente para soportar las duras condiciones del espacio. La elección no responde a nostalgia, sino a fiabilidad: son equipos probados durante años y adaptados técnicamente para resistir radiación, temperaturas extremas y entornos complejos.
Sin embargo, la gran novedad llega de la mano de los propios astronautas, que también están usando iPhone para capturar imágenes más personales del viaje, incluidos selfies y escenas cotidianas dentro de la nave. Estas fotografías, más espontáneas y cercanas, han abierto el debate sobre si Apple podría terminar ganando la batalla mediática de la fotografía espacial gracias a su enorme impacto comunicativo y potencial publicitario.
Así, mientras Nikon mantiene el liderazgo técnico y profesional en el espacio gracias a décadas de colaboración con la NASA, los smartphones representan una nueva forma de documentar las misiones: menos científica y más humana. La carrera fotográfica espacial ya no se decide solo por la calidad de imagen, sino también por quién conecta mejor con el público que observa la exploración desde la Tierra.
