Gerda Taro

Gerda Taro (nacida como Gerta Pohorylle) empieza en territorio alemán un 1 de agosto de 1910, en una familia judía-polaca de clase alta recién instalada en la ciudad de Stuttgart. De padres apasionados por el arte y la cultura, la pequeña Gerta Pohorylle (así la llamaremos en este periodo de tiempo hasta 1934) creció en un ambiente sumamente libre y progresista para su época, y a partir de su adolescencia se interesó por la danza, el tenis y el marketing. De hecho, tras pasar por dos institutos ingresó a una escuela de negocios, en la que siempre destacó por ser una alumna sobresaliente. Pero la relativa calma de la familia se vino abajo a partir de 1933. Tras años de violenta propaganda y verborrea carismática, el nacionalsocialista Adolf Hitler llegó al poder y con ello una amenaza latente hacia la población judía. Gerta, de 23 años, fue encarcelada brevemente por los nazis porque distribuía panfletos antifascistas, y también ellos buscaban a sus hermanos. Meses después pudo ser liberada gracias a la presión de la embajada polaca. Viendo un panorama que cada vez avanzaba más rápido hacia formas de segregación más agresivas a los judíos, la familia se vio forzada a separarse y emigrar a distintos paises. Gerta se mudó a Francia y jamás volvió a ver ni a sus padres, ni a sus hermanos. En ese contexto se forma como una idealista de izquierdas, con fuertes convicciones sociales que después le ayudarían a desarrollar y forjar su carrera como fotógrafa de guerra. Pero eso lo veremos más adelante. Tras un año viviendo en París como refugiada en 1934 conoce al hombre que le introduciría en su verdadera gran pasión: Endre Friedmann, el posteriormente conocido como el mejor fotógrafo de guerra de todos los tiempos, Robert Capa. 

Kita Honra

Fotógrafa nacida en Hungría en 1912. En 1933 comenzó a trabajar como fotógrafa en París y cinco años más tarde viajó a Barcelona donde trabajó como jefa de redacción de la revista Umbral. El mismo año fue comisionada por el gobierno de la República Española para realizar un álbum sobre la guerra civil y fotoreportajes que sirvieron como propaganda exterior.   En 1939 llegó con su esposo José Horna a México, estableció amistad con el grupo de artistas surrealistas y retrató a las figuras más destacadas de los círculos del arte y la farándula. Colaboró en diversas revistas mexicanas como Nosotros, Mujeres, y Perfumes y modas. En 1962 participó en la formación de la revista S.nob, junto con Leonora Carrington, Jorge Ibargüengoitia y Alberto Gironella, bajo la dirección de Salvador Elizondo y Juan García Ponce. Para esta revista realizó series fotográficas como Fetiches, y cuentos fantásticos en secuencia fotográfica como Oda a la necrofília, Sacramentalia y Vampiro. Horna tuvo una gran labor educativa, impartió clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y tuvo un taller abierto en la Academia de San Carlos desde 1973; donde dio clases a fotógrafos como Flor Garduño, Elsa Chabaud, Manuel Monroy, Estanislao Ortíz y Sergio Carlos Rey, entre otros. Fue también maestra de fotografía en la Universidad Iberoamericana.   Se le asocia con la fotografía surrealista, sin embargo, al preguntarle si se consideraba una artista surrealista ella contestó que no, que probablemente la asociaban al movimiento por haber sido amiga de artistas surrealistas mexicanos, pero que en la época ella ni siquiera sabía lo que esa palabra significaba (Horna en Lápiz I, 2001). Muchas de sus fotografías son acercamientos de rostros o ángulos de edificios en ocasiones irreconocibles, a veces notamos que sus imágenes están fuera de foco intencionalmente para producir un efecto de remembranza sin sensación completa de reconocimiento. En sus retratos, el rostro del modelo es el punto central y el resto de la imagen proporciona un ambiente que enfatiza el carácter del personaje. Kati Horna murió en la ciudad de México el año 2000.

Mario Testino

Mario Testino (Lima, 1954) es un fotógrafo de moda y retrato de gran influencia internacional. Se formó y desarrolló profesionalmente en Londres, alcanzando la fama en los años 90 gracias a su trabajo para revistas como Vogue y Vanity Fair y para marcas de lujo como Burberry, Gucci o Versace. Su estilo se caracteriza por un glamour luminoso y natural, con retratos que buscan cercanía, sensualidad y personalidad más que rigidez formal. Fue clave en la modernización de la imagen de varias casas de moda y en la construcción visual de numerosas celebridades. Son especialmente conocidos sus retratos de la princesa Diana, así como su trabajo con modelos y artistas de primer nivel. Además, fundó el Museo MATE en Lima para promover la fotografía y el arte contemporáneo. Desde 2018, su carrera quedó marcada por acusaciones de conducta sexual inapropiada, lo que afectó seriamente su posición en la industria. Aun así, su impacto en la estética de la fotografía de moda contemporánea sigue siendo significativo.

Construir mundos: cuando la fotografía se convierte en fantasía (LUCÍA VALEROS MARTINS)

 La fotografía no tiene por qué limitarse a documentar la realidad. Puede reinterpretarla, transformarla o incluso inventarla desde cero.

En la fotografía conceptual y artística, la cámara no solo captura: crea mundos.

Aquí, cada imagen es una historia construida cuidadosamente. Desde el vestuario hasta la iluminación, pasando por la escenografía y la edición, todo forma parte de una narrativa visual.

De la idea a la imagen:

Todo comienza con una idea. Puede ser una emoción, un concepto abstracto o una escena imaginada. A partir de ahí, el proceso creativo toma forma:

1.        Concepto: ¿Qué quieres transmitir?

2.        Referencias: Crear un moodboard con imágenes, colores y estilos.

3.        Producción: Localización, vestuario, props.

4.        Ejecución: Dirección de modelo, iluminación, composición.

5.        Edición: Ajustes finales para reforzar la narrativa.

Este proceso no tiene que ser complejo ni caro. Muchas veces, las ideas más simples son las más potentes.

Creatividad vs recursos:

Uno de los mayores mitos es que este tipo de fotografía requiere grandes presupuestos. La realidad es que la creatividad suele ser más importante que los recursos.

Una tela puede convertirse en un fondo dramático. Una habitación vacía puede transformarse con luz. Un objeto cotidiano puede adquirir un significado completamente nuevo.

El fotógrafo Tim Walker es un referente en este estilo, creando imágenes que parecen sacadas de cuentos surrealistas, donde cada detalle contribuye a una atmósfera única.

En conclusión, construir mundos a través de la fotografía es una de las formas más libres y personales de crear. No se trata de mostrar lo que ves, sino de mostrar lo que imaginas. Y ahí, precisamente, es donde la fotografía deja de ser solo imagen… y se convierte en arte.

La calle como escenario: encontrar historias en lo cotidiano (LUCÍA VALEROS MARTINS)

 La calle es uno de los escenarios más ricos y complejos para cualquier fotógrafo. No necesita preparación, no tiene guion y nunca se repite. Todo ocurre en tiempo real, y ahí reside su magia.

La fotografía callejera no consiste en capturar “cosas interesantes”, sino en ver lo interesante en lo cotidiano.

Una persona esperando el autobús, una sombra que cruza una pared, una mirada entre desconocidos… Son momentos pequeños, pero cargados de significado cuando se capturan en el instante justo.

Aprender a observar (de verdad):

El mayor reto no es técnico, es mental: aprender a mirar.

Para mejorar tu fotografía callejera:

- Camina sin prisa y sin objetivo fijo.

- Observa cómo cambia la luz a lo largo del día.

- Anticipa momentos en lugar de reaccionar a ellos.

- Presta atención a patrones, colores y gestos.

Muchas veces, la mejor foto ocurre segundos después de que decides quedarte quieto.

La importancia de la paciencia:

La calle no se puede controlar. No puedes dirigir a las personas ni repetir una escena. Por eso, la paciencia es clave.

Elegir un buen encuadre y esperar a que algo ocurra dentro de él es una de las técnicas más efectivas. En lugar de perseguir imágenes, deja que sucedan frente a ti.

Ética y respeto:

Fotografiar en la calle también implica responsabilidad. Es importante ser respetuoso, discreto y consciente del contexto cultural. No todo momento debe ser capturado, y no toda imagen debe ser publicada.

En conclusión, la fotografía callejera no trata de encontrar lugares extraordinarios, sino de descubrir lo extraordinario en lo que ya está ahí. La próxima vez que salgas con tu cámara, recuerda: la historia ya está ocurriendo. Solo tienes que verla.

La magia de la imperfección: por qué las fotos “fallidas” pueden ser las mejores (LUCÍA VALEROS MARTINS)

 En un mundo donde la perfección técnica parece ser el estándar, la fotografía imperfecta emerge como un acto casi rebelde. Estamos rodeados de imágenes nítidas, perfectamente expuestas y cuidadosamente editadas, pero ¿qué ocurre cuando dejamos de perseguir esa perfección?

Ocurre algo interesante: aparece la emoción.

Las fotos “fallidas”, esas que están movidas, desenfocadas o sobreexpuestas, muchas veces transmiten sensaciones más auténticas que una imagen técnicamente impecable. El desenfoque puede sugerir movimiento o nostalgia; la sobreexposición puede evocar recuerdos o sueños; un encuadre torcido puede generar tensión o dinamismo.

Lejos de ser errores, estos elementos pueden convertirse en herramientas creativas.

Romper las reglas para encontrar tu estilo:

Uno de los mayores bloqueos creativos en fotografía es la obsesión por hacerlo “correctamente”. Pero la creatividad no siempre nace de seguir normas, sino de cuestionarlas.

Prueba esto:

- Dispara sin mirar el visor.
- Usa velocidades de obturación lentas para capturar movimiento.
- Juega con reflejos, sombras o luces duras.
- Permítete no corregir “errores” en edición.

Este tipo de experimentación no solo amplía tu lenguaje visual, sino que también te acerca a un estilo propio.

Fotógrafos como Francesca Woodman construyeron carreras enteras explorando lo difuso, lo incompleto y lo emocional. Su trabajo demuestra que la fotografía no siempre tiene que ser clara para ser poderosa.

En conclusión, la próxima vez que revises tus fotos, no elimines automáticamente las que no cumplen los estándares técnicos. Obsérvalas con otros ojos. Puede que ahí, en lo imperfecto, esté tu imagen más honesta.

El Hubble celebra 36 años con nuevas imágenes que revelan galaxias y nebulosas cambiantes

 El telescopio espacial Hubble ha celebrado su 36º aniversario con la publicación de nuevas imágenes astronómicas que muestran regiones del universo con un nivel de detalle excepcional. Entre ellas destaca una nueva observación de la Nebulosa del Trífido, una zona de formación estelar situada a unos 5.000 años luz de la Tierra, donde nacen nuevas estrellas a partir de nubes de gas y polvo.

Estas imágenes son especialmente interesantes porque no solo muestran belleza visual, sino también cambios reales en el espacio. Comparadas con capturas realizadas en 1997, permiten a los astrónomos estudiar cómo evolucionan las estructuras cósmicas en escalas de tiempo relativamente cortas para el universo.

El Hubble, que sigue activo después de más de tres décadas en órbita, ha realizado ya más de 1,7 millones de observaciones desde su lanzamiento en 1990. Sus últimas fotografías combinan datos de luz visible y ultravioleta, lo que permite observar detalles que no serían visibles para el ojo humano.

La comunidad científica destaca que, a pesar de la llegada de telescopios más modernos como el James Webb, el Hubble sigue siendo una herramienta clave para la astronomía. Sus imágenes continúan ayudando a comprender la formación de galaxias, estrellas y nebulosas, consolidándose como uno de los instrumentos más importantes de la historia de la ciencia.