Gerda Taro (nacida como Gerta Pohorylle) empieza en territorio alemán un 1 de agosto de 1910, en una familia judía-polaca de clase alta recién instalada en la ciudad de Stuttgart. De padres apasionados por el arte y la cultura, la pequeña Gerta Pohorylle (así la llamaremos en este periodo de tiempo hasta 1934) creció en un ambiente sumamente libre y progresista para su época, y a partir de su adolescencia se interesó por la danza, el tenis y el marketing. De hecho, tras pasar por dos institutos ingresó a una escuela de negocios, en la que siempre destacó por ser una alumna sobresaliente. Pero la relativa calma de la familia se vino abajo a partir de 1933. Tras años de violenta propaganda y verborrea carismática, el nacionalsocialista Adolf Hitler llegó al poder y con ello una amenaza latente hacia la población judía. Gerta, de 23 años, fue encarcelada brevemente por los nazis porque distribuía panfletos antifascistas, y también ellos buscaban a sus hermanos. Meses después pudo ser liberada gracias a la presión de la embajada polaca. Viendo un panorama que cada vez avanzaba más rápido hacia formas de segregación más agresivas a los judíos, la familia se vio forzada a separarse y emigrar a distintos paises. Gerta se mudó a Francia y jamás volvió a ver ni a sus padres, ni a sus hermanos. En ese contexto se forma como una idealista de izquierdas, con fuertes convicciones sociales que después le ayudarían a desarrollar y forjar su carrera como fotógrafa de guerra. Pero eso lo veremos más adelante. Tras un año viviendo en París como refugiada en 1934 conoce al hombre que le introduciría en su verdadera gran pasión: Endre Friedmann, el posteriormente conocido como el mejor fotógrafo de guerra de todos los tiempos, Robert Capa.
lunes, 27 de abril de 2026
Kita Honra
Fotógrafa nacida en Hungría en 1912. En 1933 comenzó a trabajar como fotógrafa en París y cinco años más tarde viajó a Barcelona donde trabajó como jefa de redacción de la revista Umbral. El mismo año fue comisionada por el gobierno de la República Española para realizar un álbum sobre la guerra civil y fotoreportajes que sirvieron como propaganda exterior. En 1939 llegó con su esposo José Horna a México, estableció amistad con el grupo de artistas surrealistas y retrató a las figuras más destacadas de los círculos del arte y la farándula. Colaboró en diversas revistas mexicanas como Nosotros, Mujeres, y Perfumes y modas. En 1962 participó en la formación de la revista S.nob, junto con Leonora Carrington, Jorge Ibargüengoitia y Alberto Gironella, bajo la dirección de Salvador Elizondo y Juan García Ponce. Para esta revista realizó series fotográficas como Fetiches, y cuentos fantásticos en secuencia fotográfica como Oda a la necrofília, Sacramentalia y Vampiro. Horna tuvo una gran labor educativa, impartió clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y tuvo un taller abierto en la Academia de San Carlos desde 1973; donde dio clases a fotógrafos como Flor Garduño, Elsa Chabaud, Manuel Monroy, Estanislao Ortíz y Sergio Carlos Rey, entre otros. Fue también maestra de fotografía en la Universidad Iberoamericana. Se le asocia con la fotografía surrealista, sin embargo, al preguntarle si se consideraba una artista surrealista ella contestó que no, que probablemente la asociaban al movimiento por haber sido amiga de artistas surrealistas mexicanos, pero que en la época ella ni siquiera sabía lo que esa palabra significaba (Horna en Lápiz I, 2001). Muchas de sus fotografías son acercamientos de rostros o ángulos de edificios en ocasiones irreconocibles, a veces notamos que sus imágenes están fuera de foco intencionalmente para producir un efecto de remembranza sin sensación completa de reconocimiento. En sus retratos, el rostro del modelo es el punto central y el resto de la imagen proporciona un ambiente que enfatiza el carácter del personaje. Kati Horna murió en la ciudad de México el año 2000.
Mario Testino
Mario Testino (Lima, 1954) es un fotógrafo de moda y retrato de gran influencia internacional. Se formó y desarrolló profesionalmente en Londres, alcanzando la fama en los años 90 gracias a su trabajo para revistas como Vogue y Vanity Fair y para marcas de lujo como Burberry, Gucci o Versace. Su estilo se caracteriza por un glamour luminoso y natural, con retratos que buscan cercanía, sensualidad y personalidad más que rigidez formal. Fue clave en la modernización de la imagen de varias casas de moda y en la construcción visual de numerosas celebridades. Son especialmente conocidos sus retratos de la princesa Diana, así como su trabajo con modelos y artistas de primer nivel. Además, fundó el Museo MATE en Lima para promover la fotografía y el arte contemporáneo. Desde 2018, su carrera quedó marcada por acusaciones de conducta sexual inapropiada, lo que afectó seriamente su posición en la industria. Aun así, su impacto en la estética de la fotografía de moda contemporánea sigue siendo significativo.
domingo, 26 de abril de 2026
Construir mundos: cuando la fotografía se convierte en fantasía (LUCÍA VALEROS MARTINS)
La fotografía no tiene por qué limitarse a documentar la realidad. Puede reinterpretarla, transformarla o incluso inventarla desde cero.
En la fotografía conceptual y artística, la cámara no solo captura: crea mundos.
Aquí, cada imagen es una historia construida cuidadosamente. Desde el vestuario hasta la iluminación, pasando por la escenografía y la edición, todo forma parte de una narrativa visual.
De la idea a la imagen:
Todo comienza con una idea. Puede ser una emoción, un concepto abstracto o una escena imaginada. A partir de ahí, el proceso creativo toma forma:
1. Concepto: ¿Qué quieres transmitir?2. Referencias: Crear un moodboard con imágenes, colores y estilos.3. Producción: Localización, vestuario, props.4. Ejecución: Dirección de modelo, iluminación, composición.5. Edición: Ajustes finales para reforzar la narrativa.
Este proceso no tiene que ser complejo ni caro. Muchas veces, las ideas más simples son las más potentes.
Creatividad vs recursos:
Uno de los mayores mitos es que este tipo de fotografía requiere grandes presupuestos. La realidad es que la creatividad suele ser más importante que los recursos.
Una tela puede convertirse en un fondo dramático. Una habitación vacía puede transformarse con luz. Un objeto cotidiano puede adquirir un significado completamente nuevo.
El fotógrafo Tim Walker es un referente en este estilo, creando imágenes que parecen sacadas de cuentos surrealistas, donde cada detalle contribuye a una atmósfera única.
En conclusión, construir mundos a través de la fotografía es una de las formas más libres y personales de crear. No se trata de mostrar lo que ves, sino de mostrar lo que imaginas. Y ahí, precisamente, es donde la fotografía deja de ser solo imagen… y se convierte en arte.
La calle como escenario: encontrar historias en lo cotidiano (LUCÍA VALEROS MARTINS)
La calle es uno de los escenarios más ricos y complejos para cualquier fotógrafo. No necesita preparación, no tiene guion y nunca se repite. Todo ocurre en tiempo real, y ahí reside su magia.
La fotografía callejera no consiste en capturar “cosas interesantes”, sino en ver lo interesante en lo cotidiano.
Una persona esperando el autobús, una sombra que cruza una pared, una mirada entre desconocidos… Son momentos pequeños, pero cargados de significado cuando se capturan en el instante justo.
Aprender a observar (de verdad):
El mayor reto no es técnico, es mental: aprender a mirar.
Para mejorar tu fotografía callejera:
- Camina sin prisa y sin objetivo fijo.- Observa cómo cambia la luz a lo largo del día.- Anticipa momentos en lugar de reaccionar a ellos.- Presta atención a patrones, colores y gestos.
Muchas veces, la mejor foto ocurre segundos después de que decides quedarte quieto.
La importancia de la paciencia:
La calle no se puede controlar. No puedes dirigir a las personas ni repetir una escena. Por eso, la paciencia es clave.
Elegir un buen encuadre y esperar a que algo ocurra dentro de él es una de las técnicas más efectivas. En lugar de perseguir imágenes, deja que sucedan frente a ti.
Ética y respeto:
Fotografiar en la calle también implica responsabilidad. Es importante ser respetuoso, discreto y consciente del contexto cultural. No todo momento debe ser capturado, y no toda imagen debe ser publicada.
En conclusión, la fotografía callejera no trata de encontrar lugares extraordinarios, sino de descubrir lo extraordinario en lo que ya está ahí. La próxima vez que salgas con tu cámara, recuerda: la historia ya está ocurriendo. Solo tienes que verla.
La magia de la imperfección: por qué las fotos “fallidas” pueden ser las mejores (LUCÍA VALEROS MARTINS)
En un mundo donde la perfección técnica parece ser el estándar, la fotografía imperfecta emerge como un acto casi rebelde. Estamos rodeados de imágenes nítidas, perfectamente expuestas y cuidadosamente editadas, pero ¿qué ocurre cuando dejamos de perseguir esa perfección?
Ocurre algo interesante: aparece la emoción.
Las fotos “fallidas”, esas que están movidas, desenfocadas o sobreexpuestas, muchas veces transmiten sensaciones más auténticas que una imagen técnicamente impecable. El desenfoque puede sugerir movimiento o nostalgia; la sobreexposición puede evocar recuerdos o sueños; un encuadre torcido puede generar tensión o dinamismo.
Lejos de ser errores, estos elementos pueden convertirse en herramientas creativas.
Romper las reglas para encontrar tu estilo:
Uno de los mayores bloqueos creativos en fotografía es la obsesión por hacerlo “correctamente”. Pero la creatividad no siempre nace de seguir normas, sino de cuestionarlas.
Prueba esto:
- Dispara sin mirar el visor.
- Usa velocidades de obturación lentas para capturar movimiento.
- Juega con reflejos, sombras o luces duras.
- Permítete no corregir “errores” en edición.
Este tipo de experimentación no solo amplía tu lenguaje visual, sino que también te acerca a un estilo propio.
Fotógrafos como Francesca Woodman construyeron carreras enteras explorando lo difuso, lo incompleto y lo emocional. Su trabajo demuestra que la fotografía no siempre tiene que ser clara para ser poderosa.
En conclusión, la próxima vez que revises tus fotos, no elimines automáticamente las que no cumplen los estándares técnicos. Obsérvalas con otros ojos. Puede que ahí, en lo imperfecto, esté tu imagen más honesta.
sábado, 25 de abril de 2026
El Hubble celebra 36 años con nuevas imágenes que revelan galaxias y nebulosas cambiantes
El telescopio espacial Hubble ha celebrado su 36º aniversario con la publicación de nuevas imágenes astronómicas que muestran regiones del universo con un nivel de detalle excepcional. Entre ellas destaca una nueva observación de la Nebulosa del Trífido, una zona de formación estelar situada a unos 5.000 años luz de la Tierra, donde nacen nuevas estrellas a partir de nubes de gas y polvo.
Estas imágenes son especialmente interesantes porque no solo
muestran belleza visual, sino también cambios reales en el espacio. Comparadas
con capturas realizadas en 1997, permiten a los astrónomos estudiar cómo
evolucionan las estructuras cósmicas en escalas de tiempo relativamente cortas
para el universo.
El Hubble, que sigue activo después de más de tres décadas en órbita, ha realizado ya más de 1,7 millones de observaciones desde su lanzamiento en 1990. Sus últimas fotografías combinan datos de luz visible y ultravioleta, lo que permite observar detalles que no serían visibles para el ojo humano.
La comunidad científica destaca que,
a pesar de la llegada de telescopios más modernos como el James Webb, el Hubble
sigue siendo una herramienta clave para la astronomía. Sus imágenes continúan
ayudando a comprender la formación de galaxias, estrellas y nebulosas,
consolidándose como uno de los instrumentos más importantes de la historia de
la ciencia.
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“Earthset”: la fotografía que redefine cómo vemos la Tierra desde el espacio
La misión Artemis II ha vuelto a situar la fotografía en el centro de la historia espacial con una serie de imágenes que están dando la vuelta al mundo. Entre ellas destaca “Earthset”, una impactante fotografía capturada durante el sobrevuelo de la Luna, en la que la Tierra aparece ocultándose tras el horizonte lunar, evocando la mítica imagen Earthrise de 1968. Esta nueva perspectiva ha sido interpretada como un símbolo contemporáneo del vínculo entre la humanidad y su planeta.
Las imágenes fueron tomadas
por los propios astronautas a bordo de la nave Orion, tras recibir formación
específica en fotografía profesional antes de la misión. Durante varias horas,
la tripulación se turnó para capturar instantáneas del espacio profundo, la
superficie lunar y fenómenos únicos como eclipses solares vistos desde el
espacio, generando un archivo visual sin precedentes en la exploración moderna.
Otra de las fotografías más
destacadas es “Hello, World”, que muestra la Tierra como un pequeño disco
flotando en la oscuridad del espacio, siendo una de las primeras imágenes de
este tipo tomadas por humanos desde 1972. Estas imágenes no solo tienen valor
científico, sino también artístico, ya que transmiten una sensación de
aislamiento y fragilidad del planeta difícil de lograr con satélites
automáticos.
La repercusión de estas
fotografías ha sido enorme, tanto en la comunidad científica como en el público
general. Expertos destacan que, a pesar de los avances tecnológicos, las
imágenes captadas por seres humanos siguen teniendo un impacto emocional mucho
mayor. Artemis II demuestra así que la fotografía continúa siendo una
herramienta clave para conectar la exploración espacial con la conciencia
global sobre la Tierra y su futuro.
El cielo se convierte en un espectáculo global: fotógrafos capturan una lluvia de estrellas histórica
La impresionante cobertura visual de la lluvia de meteoros Líridas de 2026 ha destacado recientemente en el panorama fotográfico internacional.
Las fotografías destacan por
su diversidad y creatividad: desde composiciones que combinan meteoros con
auroras boreales hasta instantáneas tomadas desde lugares remotos en plena
naturaleza. Incluso desde el espacio, una astronauta logró captar el paso de un
meteorito sobre la atmósfera terrestre, ofreciendo una perspectiva única que ha
dado la vuelta al mundo.
Este fenómeno astronómico,
uno de los más antiguos registrados por la humanidad, ha vuelto a demostrar el
papel clave de la fotografía como herramienta para acercar eventos naturales al
público global. Gracias a la tecnología actual, muchos fotógrafos han podido
capturar imágenes de alta calidad con equipos relativamente accesibles,
ampliando la participación en este tipo de eventos.
La repercusión de estas
imágenes no solo ha sido estética, sino también divulgativa, despertando el
interés por la astronomía y la fotografía nocturna. La lluvia de estrellas
continuará siendo visible durante unos días más, aunque con menor intensidad,
consolidándose como una oportunidad única para seguir explorando la relación
entre ciencia, naturaleza y fotografía.
miércoles, 22 de abril de 2026
World Press Photo 2026: El triunfo de lo crudo
Se acaban de fallar los premios de este año y la tendencia ha sido clara: cero manipulación.
Tras el escándalo de algunas fotos premiadas en años anteriores que usaron rellenos generativos por IA para limpiar fondos, el jurado de 2026 ha sido el más estricto de la historia. Esto ha devuelto el prestigio al fotoperiodismo puro, donde el valor reside en "estar allí" y no en "editar bien".
El "Sello de Autenticidad" es el nuevo estándar
Tras años de debate, la mayoría de las cámaras nuevas (Sony, Canon, Nikon) ya incluyen de serie el protocolo C2PA.
¿Qué es? Es una "matrícula digital" que certifica que una foto ha sido captada por un sensor óptico y no generada por IA.
Noticia: Las grandes agencias de prensa han empezado a rechazar este mes cualquier imagen que no traiga este certificado de origen desde el RAW.
El corazón de la X5, reside en sus nuevos sensores de 1/1,28" un 144% más grandes que los de su predecesora, que permiten capturar más luz y ofrecer, una calidad de imagen superior a todas las condiciones. Esto se traduce a un video 360º a 8K y 30 fps, con un supermuestreo desde 11k que garantiza una fidelidad excepcional.
Gracias al nuevo modo PureVideo, potenciado por IA, la cámara brilla también en escenas nocturnas o con poca luz, ofreciendo secuencias nítidas y cinematográficas. Además el HDR Activo se ha mejorad a 5,7K y 60fps, ideal para escenas con alto contraste fluida y detallada.
jueves, 16 de abril de 2026
GERVASIO SÁNCHEZ
‘Memoria’
Gervasio Sánchez es el autor de las fotografías publicadas esta semana en la sección de Opinión
1.Familiares con retratos de desaparecidos. Calama (Chile), 1999.
2.Fosa común con mujeres y niños. Joyabag (Guatemala), 2009.
3.Cajas con restos humanos exhumados. Buenos Aires, 2008.
Patrick Demarchelier
Patrick Demarchelier: todo sobre el fotógrafo de moda que capturaba la esencia con una sonrisa
¿Dónde nació Patrick Demarchelier y cómo comenzó su relación con la fotografía?
Nacido cerca de París, en Le Havre, en el seno de una familia muy vinculada a la creación cinematográfica, su relación con las cámaras de fotos comenzó cuando sólo era un adolescente. "Era joven y vivía en el norte de Francia. No tenía ni idea de qué quería hacer, estaba perdido, y mi padrastro me regaló una cámara de fotos antigua" relataba.
¿Cómo se introdujo Patrick Demarchelier en el mundo de la moda?
De formación autodidacta, se introdujo en el mundo de la moda gracias a Hans Feurer a comienzos de los años setenta. Pronto se trasladó a Nueva York donde, tras trabajar para la revista Glamour, dio el salto a Vogue, cabecera que le catapultó al estrellato. 12 años de parón en los que firmó un acuerdo de exclusividad con Harper’s Bazaar no impidieron que volviera a Condé Nast en 2004 con más fuerza que nunca. En el año 2006 su hijo menor, Victor, comienza a trabajar con él. Juntos se convirtieron en un gran equipo : “Me encantó que quisiera seguir mis pasos”, confesaba él.
¿Cuáles fueron algunos de los logros y trabajos más destacados de Patrick Demarchelier?
Acostumbrado a llamar “bebé” a las modelos con las que trabaja, entre sus logros se cuentan retratos a todo tipo de celebridades –desde Angelina Jolie a Roy Lichtenstein–, cientos de portadas, carteles de películas, campañas icónicas, portadas de discos y retratos a Lady Di a solas o junto a sus hijos, algunos de sus trabajos más célebres: “Su llamada fue una sorpresa. Era la primera vez que un fotógrafo no británico hacía un retrato oficial de un miembro de la familia real”.
Noticia: https://www.vogue.es/articulos/patrick-demarchelier-fotografo-modaANA MENDIETA
Ana Mendieta y la esencia de una metamorfosis
Cuando se trata de separar obra y artista, a lo largo de la historia, es fácil encontrarse generalmente con un doble rasero. La obra de Artemisia Gentileschi, por ejemplo, en muchas ocasiones ha quedado eclipsada o vinculada a la violación que sufrió a manos de su maestro. Sin embargo, al recordar a Caravaggio, ¿quién relaciona el asesinato que cometió con el tenebrismo de sus lienzos?
De la misma manera, la obra de Ana Mendieta ha quedado ensombrecida por el trágico y macabro fin que sufrió a la corta edad de 36 años, cuando “cayó” desde una ventana a 34 pisos de altura tras haber discutido con su marido, el artista Carl Andre. A veces da la sensación de que mujeres como Mendieta o Gentileschi ni siquiera son recordadas por lo que hicieron con su vida u obra, sino por lo que se les hizo. Mientras Andre fue absuelto de todos los cargos por asesinato y su trayectoria como artista prolífico continuó intacta hasta su muerte el año pasado, Mendieta fue robada del mundo demasiado pronto, y desde entonces el mundo vive con la ausencia de Mendieta, de su mirada y de todo lo que podría haber sido. Sin embargo, hay espacios que actúan como receptáculo de su memoria y legado artístico. El MoMA es uno de ellos.
El museo expone actualmente una treintena de obras de la artista cubana y acaba de disponer otra de sus salas para albergar tres de sus películas en formato Super 8. Ana Mendieta fue una artista multidisciplinar que materializó su extensa obra en diferentes formatos: pintura, escultura, fotografía, performance… La sala 411 pone ahora el foco en la dimensión cinematográfica de su carrera, una pequeña porción de la totalidad que abarca su obra.
Los films documentan algunos resquicios de su serie Silueta -y de obras posteriores-, un trabajo performático que desarrolló entre 1973 y 1978 y que fluctuó entre el body y el land art, género que ella misma bautizó como earth-body. Silueta es una colisión entre conceptos y disciplinas que abarca la transformación, la integración del cuerpo y el paisaje, la identidad y la conexión con el universo mismo.
Las tres cintas expuestas aluden directamente al proceso de metamorfosis entre su propio cuerpo y la naturaleza, y están grabadas en diferentes localizaciones que marcaron la vida de Mendieta: Cuba, su tierra natal, que abandonó durante su niñez huyendo del régimen castrista y a la que no regresó hasta unos años antes de su muerte; Iowa, donde tras pasar la adolescencia en diferentes hogares de acogida se formó académicamente como artista y entró en contacto con diversas corrientes feministas —en esta etapa, el brutal asesinato y violación de una compañera de la universidad marcarían su obra de sangre y violencia—; y México, lugar donde abrazó al completo sus raíces latinoamericanas y desarrolló un gran afán por la cultura tolteca, las diosas paganas de antaño y la santería cubana, lo cual se vería reflejado en su arte a través de elementos como plumas, agua, fuego, polvo teñido o sangre animal como alusión sacrificial y espiritual.
Noticia: https://www.elconfidencial.com/el-grito/2025-03-29/ana-mendieta-y-la-esencia-de-una-metamorfosis_4094924/
Nikon, Apple y las fotos de Artemis II: ¿quién está ganando la carrera fotográfica en el espacio?
Las imágenes que está enviando la misión Artemis II rumbo a la Luna han reavivado un debate inesperado: qué marcas y qué tipo de cámaras están dominando la fotografía espacial actual. Más allá del impacto científico e histórico de las fotos, la conversación gira ahora en torno al equipo utilizado y a cómo ha cambiado la manera de fotografiar el espacio respecto a misiones anteriores.
Aunque pueda sorprender, la NASA sigue confiando en cámaras relativamente antiguas como la Nikon D5, una réflex profesional con casi una década a sus espaldas, acompañada por una Nikon Z9 modificada específicamente para soportar las duras condiciones del espacio. La elección no responde a nostalgia, sino a fiabilidad: son equipos probados durante años y adaptados técnicamente para resistir radiación, temperaturas extremas y entornos complejos.
Sin embargo, la gran novedad llega de la mano de los propios astronautas, que también están usando iPhone para capturar imágenes más personales del viaje, incluidos selfies y escenas cotidianas dentro de la nave. Estas fotografías, más espontáneas y cercanas, han abierto el debate sobre si Apple podría terminar ganando la batalla mediática de la fotografía espacial gracias a su enorme impacto comunicativo y potencial publicitario.
Así, mientras Nikon mantiene el liderazgo técnico y profesional en el espacio gracias a décadas de colaboración con la NASA, los smartphones representan una nueva forma de documentar las misiones: menos científica y más humana. La carrera fotográfica espacial ya no se decide solo por la calidad de imagen, sino también por quién conecta mejor con el público que observa la exploración desde la Tierra.
Rosalía desoye las críticas y veta también en sus conciertos de Barcelona a los fotógrafos
La polémica alrededor de Rosalía y el acceso de fotógrafos a sus conciertos continúa creciendo tras confirmarse que el veto aplicado en otras ciudades también se ha mantenido en sus actuaciones en Barcelona. La artista y su equipo han optado por impedir la entrada de fotoperiodistas acreditados y distribuir únicamente imágenes oficiales tomadas por fotógrafos contratados por la organización, una decisión que ha generado un fuerte rechazo dentro del sector.
Asociaciones profesionales y sindicatos de periodistas consideran que esta práctica limita el derecho a la información y reduce la diversidad visual sobre el espectáculo, ya que los medios solo pueden publicar material promocional previamente seleccionado. La crítica no se centra únicamente en Rosalía, sino en una tendencia creciente en grandes conciertos internacionales donde los artistas controlan cada vez más su imagen pública.
Pese a las protestas y al debate generado tras lo ocurrido en Madrid, muchos medios terminaron utilizando igualmente las fotografías oficiales o imágenes captadas por asistentes con móviles, evidenciando la dificultad real de cubrir estos eventos sin acceso profesional. El caso reabre la discusión sobre los límites entre control artístico, promoción y libertad informativa en la cobertura cultural contemporánea.
Las madres no aparecen en la mayoría de fotos familiares.
Un estudio reciente confirma algo que muchas familias pueden reconocer al revisar sus álbumes: las madres apenas aparecen en las fotos familiares. Según una investigación realizada con más de 500 mujeres en Reino Unido, el 58% asegura que casi nunca sale en las imágenes de su propia familia, un fenómeno que se repite desde hace décadas y que hasta ahora había pasado bastante desapercibido.
La principal razón es sencilla: ellas suelen ser quienes hacen las fotos. El 88% de las madres afirma estar habitualmente detrás de la cámara en casa, lo que dificulta formar parte de los recuerdos que ellas mismas documentan. Además, muchas priorizan capturar el momento antes que aparecer en él, otras reconocen que simplemente se olvidan de incluirse y una parte señala que sus parejas no piensan en ofrecerse para hacer la foto.
Aunque en el momento pueda parecer algo sin importancia, el paso del tiempo cambia la percepción. Más del 66% de las madres encuestadas lamenta no tener suficientes imágenes junto a sus hijos durante etapas importantes como cumpleaños, celebraciones o los primeros años de vida. La ausencia en las fotos acaba traduciéndose en una sensación de pérdida de recuerdos compartidos.
El estudio invita a replantear un gesto cotidiano: si siempre es la misma persona quien toma la fotografía, también queda fuera de la memoria visual familiar. Algo tan simple como turnarse o ofrecerse a hacer la foto puede ayudar a que quienes suelen documentar la vida familiar también formen parte de ella.
GoPro lanza las “cámaras de cine más pequeñas, ligeras y resistentes del mundo”
La compañía estadounidense GoPro ha dado un paso decisivo hacia el segmento profesional con el lanzamiento de su nueva gama MISSION 1, una familia de cámaras que redefine los estándares del sector al combinar resolución 8K, tamaño compacto y resistencia extrema. Presentadas desde San Mateo, estas nuevas herramientas están dirigidas tanto a cineastas como a creadores de contenido en entornos exigentes.
La serie se articula en tres modelos principales: MISSION 1 PRO, MISSION 1 PRO ILS y MISSION 1, todos ellos impulsados por un nuevo sensor de 1 pulgada y 50 megapíxeles junto al procesador GP3, fabricado en 5 nm. Esta combinación permite alcanzar cifras inéditas en cámaras de este tamaño, como grabación en 8K hasta 60 fps, 4K a 240 fps y ráfagas en cámara lenta de hasta 960 fps en Full HD.
“El contenido tendrá un aspecto increíble”, afirmó Nicholas Woodman, fundador y CEO de la compañía, al presentar una gama que responde a una demanda histórica de usuarios avanzados. “Nuestros clientes más exigentes nos han pedido durante años que fabriquemos estas cámaras, y por fin lo hemos hecho”.
Uno de los puntos clave es el rendimiento en condiciones de baja luz, gracias a píxeles de hasta 3,2 μm y un rango dinámico de hasta 14 pasos, lo que permite capturar imágenes equilibradas incluso en escenarios complejos. Además, la incorporación de una unidad de procesamiento neuronal con IA optimiza el tratamiento de imagen en tiempo real.
La versión PRO ILS introduce un concepto novedoso en el catálogo de GoPro: una cámara sin espejo ultracompacta compatible con lentes Micro Cuatro Tercios, ampliando significativamente las posibilidades creativas. Por su parte, la MISSION 1 mantiene gran parte del ADN técnico, pero con configuraciones más contenidas para un público amplio.
OPPO adelanta el diseño del Find X9 Ultra y amplía su ecosistema con nuevos wearables y accesorios fotográficos
La firma tecnológica OPPO ha mostrado por primera vez el diseño de su próximo buque insignia, el Find X9 Ultra, un dispositivo que vuelve a poner el foco en la fotografía móvil como principal argumento. Junto a este adelanto, la compañía ha confirmado la llegada de nuevos productos para su ecosistema conectado, entre ellos el Watch X3, los auriculares Enco Clip2 y un kit fotográfico desarrollado en colaboración con Hasselblad.
El nuevo terminal introduce un lenguaje de diseño bautizado como Master Lens, claramente inspirado en cámaras profesionales. El módulo trasero, de gran tamaño, incorpora elementos estéticos que evocan objetivos clásicos, como patrones que recuerdan al anillo de enfoque o detalles geométricos similares a las palas de apertura.
La colaboración con Hasselblad no se limita a lo técnico, sino que también se refleja en la estética. De hecho, el dispositivo incluye un botón físico dedicado a la cámara en el característico color naranja de la marca sueca, pensado para facilitar el acceso rápido a las funciones fotográficas.
Más allá del propio smartphone, OPPO ha presentado un accesorio orientado a usuarios avanzados: el Hasselblad Earth Explorer Kit. Este conjunto busca transformar el teléfono en una herramienta más cercana a una cámara tradicional.
Canon amplía su gama de cámaras de cine con la compacta y flexible EOS C50, pensada para los profesionales creativos
Madrid (España), 9 de septiembre de 2025.- Canon Europa ha anunciado hoy el lanzamiento de la nueva EOS C50, una cámara EOS Cinema híbrida con montura RF, full frame y muy versátil, para los videógrafos profesionales y los equipos de producción muy dinámicos.
La EOS C50, la cámara más pequeña hasta la fecha de la serie EOS Cinema, se adapta a la perfección a una amplia variedad de configuraciones de grabación cinematográfica, desde filmaciones rápidas a producciones a gran escala. Su diseño compacto, no obstante, incluye una gran variedad de prestaciones profesionales.
En el centro del diseño exclusivo de la EOS C50 se encuentra un nuevo sensor CMOS 7K full frame que, junto con un procesador avanzado DIGIC DV 7, proporcionan una calidad de imagen espectacular, tanto para la grabación en vídeo como para hacer fotos, incluida la grabación interna de vídeo RAW a hasta 7K a 60P, grabación a alta velocidad hasta 4K a 120P / 2K a 180P, así como fotografías de alta resolución de 32 MP y mucho detalle.
domingo, 8 de febrero de 2026
Todd Hido
Es un fotógrafo estadounidense contemporáneo (n. 1968) conocido por imágenes que parecen escenas de una película justo antes o después de que pase algo inquietante.
Lo esencial de su trabajo:
Casas, carreteras, ventanas: Sus series más famosas muestran suburbios anónimos, fachadas iluminadas de noche y autopistas bajo la lluvia. Lugares comunes cargados de soledad, memoria y tensión emocional.
Luz y atmósfera: Dispara mucho desde el coche, con lluvia, reflejos y desenfoques. La técnica no busca claridad sino estado de ánimo.
Narrativa abierta: No cuenta historias cerradas. Sus fotos funcionan como fragmentos: el espectador completa el relato con sus propios miedos y recuerdos.
Influencias claras: El cine (Hitchcock, David Lynch), la literatura y también la tradición de la fotografía subjetiva que empieza con alguien como Julia Margaret Cameron: emoción primero, precisión después.
Cuerpos y paisajes psicológicos: En sus retratos femeninos y desnudos, el cuerpo aparece vulnerable, a veces fragmentado, más como paisaje emocional que como objeto erótico.
Julia Margaret Cameron
Fue una fotógrafa británica del siglo XIX (1815–1879) y una de las primeras personas en defender la fotografía como arte, no solo como registro.
Comenzó tarde y brilló: Empezó a fotografiar a los 48 años y aun así cambió la historia del medio.
Desenfoque intencional: Mientras otros buscaban imágenes nítidas y “perfectas”, Cameron usó el desenfoque, los primeros planos y la luz dramática para expresar emoción y vida interior.
Retratos célebres: Fotografió a figuras importantes de su época como Charles Darwin, Alfred Tennyson y John Herschel.
Temas poéticos y espirituales: Creó escenas inspiradas en la Biblia, la mitología y la literatura, muchas veces usando a familiares y amigos como modelos.
Muy adelantada a su tiempo: Dio protagonismo a las mujeres y a la intimidad psicológica de una forma sorprendentemente moderna.
Hoy se la considera una pionera de la fotografía artística, alguien que demostró que la cámara podía ser imperfecta, emotiva y profundamente humana.
Babak Tafreshi
Es un fotógrafo, cineasta y divulgador científico iraní-estadounidense, conocido sobre todo por unir astronomía, paisaje y conciencia cultural. Su trabajo va menos por lo íntimo psicológico y más por lo cósmico y colectivo.
Lo clave de su obra:
Fundador de The World at Night (TWAN): un proyecto internacional que muestra el cielo nocturno —Vía Láctea, eclipses, estrellas— junto a paisajes naturales y sitios históricos de todo el mundo.
El ser humano frente al universo: En muchas imágenes aparecen personas pequeñas, casi siluetas, subrayando nuestra escala mínima frente al cosmos.
Divulgación + arte: No fotografía solo para la belleza; su objetivo es educar, despertar curiosidad científica y conciencia sobre la contaminación lumínica.
Tiempo y paciencia: Usa exposiciones largas, planificación extrema y conocimiento astronómico. Aquí la técnica sí importa, pero al servicio del asombro.
Mensaje humanista: Su trabajo insiste en que todos compartimos un mismo cielo, más allá de fronteras, religiones o culturas.
Crónica de una evolución: El museo más importante de España revela su tesoro fotográfico oculto del siglo XIX
El Museo del Prado ha inaugurado esta semana la exposición "El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida".
Se trata de la primera vez que el museo dedica una muestra
monográfica exclusivamente a la fotografía utilizando sus propios fondos. A
través de 44 obras seleccionadas de una colección que ya supera las 10.000
imágenes, el museo analiza cómo la cámara cambió nuestra forma de ver el arte
desde mediados del siglo XIX.
La exposición es una clase magistral de técnicas históricas.
En ella puedes ver desde copias a la albúmina y al carbón hasta la gelatina,
además de formatos que fueron virales en su época, como las cartes de visite
y las tarjetas estereoscópicas.
La muestra no solo enseña cuadros fotografiados, sino que muestra cómo eran las salas del Prado hace 150 años, revelando aspectos del edificio que ya han desaparecido y demostrando que la fotografía es, por encima de todo, la memoria de lo que ya no está.
¿Realidad o Algoritmo? El World Press Photo 2026 impone nuevas reglas de hierro contra la Inteligencia Artificial
La noticia no solo
afecta a la creación de imágenes desde cero, sino también al post-procesado. El
jurado ha anunciado que descalificará cualquier imagen que utilice "relleno
generativo" para eliminar o añadir elementos, incluso si son mínimos (como
cables o manchas en la lente), si estos alteran el contenido de la escena
original.
Este movimiento
abre un debate necesario en las escuelas de fotografía sobre los límites del
retoque digital. La organización defiende que, en la era de la desinformación,
la fotografía debe volver a sus raíces: ser un testimonio fiel de la luz
capturada por un sensor en un momento y lugar determinados.
El instinto en el objetivo: Un lince ibérico "cazado" en Ciudad Real se postula como favorito mundial
El prestigioso certamen Wildlife Photographer of the Year ha desvelado los finalistas para el premio del público (People's Choice Award) de 2026, y entre las imágenes más impactantes destaca una capturada en tierras españolas.
El fotógrafo Josef Stefan logró, tras dos semanas de
paciencia infinita en un escondite en Torre de Juan Abad (Ciudad Real), una fotografía
titulada "Flying Rodent".
La fotografía captura un
momento crudo y fascinante: un joven lince ibérico jugando con su presa en el
aire antes de consumirla. Más allá de la espectacularidad de la acción, la
imagen destaca por el uso de la velocidad de obturación, que congela el
movimiento del felino y el roedor en un equilibrio perfecto, y por una
composición que resalta la elegancia de una especie que ha estado al borde de
la extinción.
Este anuncio pone de relieve
la importancia de la fotografía de conservación, recordándonos que una imagen
no solo es estética, sino una herramienta política y social para proteger la
biodiversidad de nuestro entorno más cercano.
Samsung Galaxy S26
Samsung ha presentado vídeos oficiales mostrando grandes mejoras en fotografía nocturna y zoom para el nuevo Galaxy S26, con importantes avances en inteligencia artificial aplicada a la imagen.
Exposición fotográfica La Rioja
La exposición "Primera fila" recoge las imágenes del festival actual 26 capturadas por alumnos de UNIR
sábado, 7 de febrero de 2026
Fotografía documental: cuando la imagen se convierte en testimonio. (LUCÍA VALEROS)
Este tipo de fotografía exige paciencia, respeto y una implicación profunda con el tema. No se trata de llegar, disparar y marcharse, sino de observar, escuchar y establecer vínculos, Las imágenes más potentes suelen surgir cuando el fotógrafo deja de ser un extraño y pasa a formar parte den entorno.
En un mundo saturado de imágenes rápidas y superficiales, la fotografía documental nos recuerda que una imagen puede ser una forma de memoria, denuncia y reflexión. Más que mostrar lo que ocurre, busca hacernos sentir por qué importa.
La luz lo cambia todo: el elemento invisible que define una imagen. (LUCÍA VALEROS)
Sin luz no hay fotografía, pero no cualquier luz sirve para contar una historia. La luz tiene carácter, dirección y temperatura, y es capaz de transformar una escena común en una imagen memorable.
La luz dura del mediodía genera sombras fuertes y contrastes intensos, mientras que la luz suave del amanecer o del atardecer envuelve los sujetos y crea una atmosferas más íntimas. Aprender a leer la luz es aprender a anticipar la fotografía, a imaginar cómo será la imagen incluso antes de levantar la cámara.
Los grandes fotógrafos no buscan cosas, buscan luz. Saben esperar, volver al mismo lugar una y otra vez y comprender que una buena fotografía muchas veces depende más del momento que del encuadre perfecto.
La fotografía no empieza en la cámara, empieza en la mirada. (LUCÍA VALEROS)
Ganador del concurso Ocean Art 2025
La fotografía ganadora del concurso Ocean Art 2025 ha sido "Tired Fish", del fotógrafo Steven Kovacs. La imagen muestra una larva de pez ganso capturada en Kumejima, Japón, en un momento poco habitual: el pez abre la boca como si bostezara. Esta captura destaca por su originalidad y por la dificultad de fotografiar especies tan pequeñas y frágiles en condiciones de blackwater, una técnica que consiste en sumergirse de noche en aguas profundas para captar organismos que viven en la columna de agua. La imagen también obtuvo el primer premio en la categoría “blackwater”.
El Ocean Art Photography Contest es uno de los certámenes de fotografía subacuática más reconocidos a nivel mundial. En su edición de 2025, el concurso contó con catorce categorías distintas, abarcando desde vida marina y paisajes submarinos hasta fotografía de macro y comportamiento animal. Se recibieron miles de imágenes de fotógrafos de más de 90 países, demostrando la diversidad y creatividad de la comunidad global de fotógrafos subacuáticos.
Además de reconocimiento y prestigio internacional, los premios del concurso superaron los 60 000 dólares, distribuidos entre las distintas categorías y menciones especiales. La edición de este año ha sido particularmente destacada por la calidad técnica y artística de las fotografías presentadas, consolidando al Ocean Art Photography Contest como una referencia internacional en fotografía submarina y como un escaparate de la biodiversidad marina y la creatividad fotográfica.
La imagen de Kovacs no solo impresiona por su composición y captura del momento exacto, sino también por la historia que transmite sobre la vida marina y la importancia de documentar incluso los detalles más pequeños de los ecosistemas submarinos.
