Nacido cerca de París, en Le Havre, en el seno de una familia muy vinculada a la creación cinematográfica, su relación con las cámaras de fotos comenzó cuando sólo era un adolescente. "Era joven y vivía en el norte de Francia. No tenía ni idea de qué quería hacer, estaba perdido, y mi padrastro me regaló una cámara de fotos antigua" relataba.
De formación autodidacta, se introdujo en el mundo de la moda gracias a Hans Feurer a comienzos de los años setenta. Pronto se trasladó a Nueva York donde, tras trabajar para la revista Glamour, dio el salto a Vogue, cabecera que le catapultó al estrellato. 12 años de parón en los que firmó un acuerdo de exclusividad con Harper’s Bazaar no impidieron que volviera a Condé Nast en 2004 con más fuerza que nunca. En el año 2006 su hijo menor, Victor, comienza a trabajar con él. Juntos se convirtieron en un gran equipo : “Me encantó que quisiera seguir mis pasos”, confesaba él.
Acostumbrado a llamar “bebé” a las modelos con las que trabaja, entre sus logros se cuentan retratos a todo tipo de celebridades –desde Angelina Jolie a Roy Lichtenstein–, cientos de portadas, carteles de películas, campañas icónicas, portadas de discos y retratos a Lady Di a solas o junto a sus hijos, algunos de sus trabajos más célebres: “Su llamada fue una sorpresa. Era la primera vez que un fotógrafo no británico hacía un retrato oficial de un miembro de la familia real”.
Noticia: https://www.vogue.es/articulos/patrick-demarchelier-fotografo-modaCuando se trata de separar obra y artista, a lo largo de la historia, es fácil encontrarse generalmente con un doble rasero. La obra de Artemisia Gentileschi, por ejemplo, en muchas ocasiones ha quedado eclipsada o vinculada a la violación que sufrió a manos de su maestro. Sin embargo, al recordar a Caravaggio, ¿quién relaciona el asesinato que cometió con el tenebrismo de sus lienzos?
De la misma manera, la obra de Ana Mendieta ha quedado ensombrecida por el trágico y macabro fin que sufrió a la corta edad de 36 años, cuando “cayó” desde una ventana a 34 pisos de altura tras haber discutido con su marido, el artista Carl Andre. A veces da la sensación de que mujeres como Mendieta o Gentileschi ni siquiera son recordadas por lo que hicieron con su vida u obra, sino por lo que se les hizo. Mientras Andre fue absuelto de todos los cargos por asesinato y su trayectoria como artista prolífico continuó intacta hasta su muerte el año pasado, Mendieta fue robada del mundo demasiado pronto, y desde entonces el mundo vive con la ausencia de Mendieta, de su mirada y de todo lo que podría haber sido. Sin embargo, hay espacios que actúan como receptáculo de su memoria y legado artístico. El MoMA es uno de ellos.
El museo expone actualmente una treintena de obras de la artista cubana y acaba de disponer otra de sus salas para albergar tres de sus películas en formato Super 8. Ana Mendieta fue una artista multidisciplinar que materializó su extensa obra en diferentes formatos: pintura, escultura, fotografía, performance… La sala 411 pone ahora el foco en la dimensión cinematográfica de su carrera, una pequeña porción de la totalidad que abarca su obra.
Los films documentan algunos resquicios de su serie Silueta -y de obras posteriores-, un trabajo performático que desarrolló entre 1973 y 1978 y que fluctuó entre el body y el land art, género que ella misma bautizó como earth-body. Silueta es una colisión entre conceptos y disciplinas que abarca la transformación, la integración del cuerpo y el paisaje, la identidad y la conexión con el universo mismo.
Las tres cintas expuestas aluden directamente al proceso de metamorfosis entre su propio cuerpo y la naturaleza, y están grabadas en diferentes localizaciones que marcaron la vida de Mendieta: Cuba, su tierra natal, que abandonó durante su niñez huyendo del régimen castrista y a la que no regresó hasta unos años antes de su muerte; Iowa, donde tras pasar la adolescencia en diferentes hogares de acogida se formó académicamente como artista y entró en contacto con diversas corrientes feministas —en esta etapa, el brutal asesinato y violación de una compañera de la universidad marcarían su obra de sangre y violencia—; y México, lugar donde abrazó al completo sus raíces latinoamericanas y desarrolló un gran afán por la cultura tolteca, las diosas paganas de antaño y la santería cubana, lo cual se vería reflejado en su arte a través de elementos como plumas, agua, fuego, polvo teñido o sangre animal como alusión sacrificial y espiritual.
Las imágenes que está enviando la misión Artemis II rumbo a la Luna han reavivado un debate inesperado: qué marcas y qué tipo de cámaras están dominando la fotografía espacial actual. Más allá del impacto científico e histórico de las fotos, la conversación gira ahora en torno al equipo utilizado y a cómo ha cambiado la manera de fotografiar el espacio respecto a misiones anteriores.
Aunque pueda sorprender, la NASA sigue confiando en cámaras relativamente antiguas como la Nikon D5, una réflex profesional con casi una década a sus espaldas, acompañada por una Nikon Z9 modificada específicamente para soportar las duras condiciones del espacio. La elección no responde a nostalgia, sino a fiabilidad: son equipos probados durante años y adaptados técnicamente para resistir radiación, temperaturas extremas y entornos complejos.
Sin embargo, la gran novedad llega de la mano de los propios astronautas, que también están usando iPhone para capturar imágenes más personales del viaje, incluidos selfies y escenas cotidianas dentro de la nave. Estas fotografías, más espontáneas y cercanas, han abierto el debate sobre si Apple podría terminar ganando la batalla mediática de la fotografía espacial gracias a su enorme impacto comunicativo y potencial publicitario.
Así, mientras Nikon mantiene el liderazgo técnico y profesional en el espacio gracias a décadas de colaboración con la NASA, los smartphones representan una nueva forma de documentar las misiones: menos científica y más humana. La carrera fotográfica espacial ya no se decide solo por la calidad de imagen, sino también por quién conecta mejor con el público que observa la exploración desde la Tierra.
La polémica alrededor de Rosalía y el acceso de fotógrafos a sus conciertos continúa creciendo tras confirmarse que el veto aplicado en otras ciudades también se ha mantenido en sus actuaciones en Barcelona. La artista y su equipo han optado por impedir la entrada de fotoperiodistas acreditados y distribuir únicamente imágenes oficiales tomadas por fotógrafos contratados por la organización, una decisión que ha generado un fuerte rechazo dentro del sector.
Asociaciones profesionales y sindicatos de periodistas consideran que esta práctica limita el derecho a la información y reduce la diversidad visual sobre el espectáculo, ya que los medios solo pueden publicar material promocional previamente seleccionado. La crítica no se centra únicamente en Rosalía, sino en una tendencia creciente en grandes conciertos internacionales donde los artistas controlan cada vez más su imagen pública.
Pese a las protestas y al debate generado tras lo ocurrido en Madrid, muchos medios terminaron utilizando igualmente las fotografías oficiales o imágenes captadas por asistentes con móviles, evidenciando la dificultad real de cubrir estos eventos sin acceso profesional. El caso reabre la discusión sobre los límites entre control artístico, promoción y libertad informativa en la cobertura cultural contemporánea.
Un estudio reciente confirma algo que muchas familias pueden reconocer al revisar sus álbumes: las madres apenas aparecen en las fotos familiares. Según una investigación realizada con más de 500 mujeres en Reino Unido, el 58% asegura que casi nunca sale en las imágenes de su propia familia, un fenómeno que se repite desde hace décadas y que hasta ahora había pasado bastante desapercibido.
La principal razón es sencilla: ellas suelen ser quienes hacen las fotos. El 88% de las madres afirma estar habitualmente detrás de la cámara en casa, lo que dificulta formar parte de los recuerdos que ellas mismas documentan. Además, muchas priorizan capturar el momento antes que aparecer en él, otras reconocen que simplemente se olvidan de incluirse y una parte señala que sus parejas no piensan en ofrecerse para hacer la foto.
Aunque en el momento pueda parecer algo sin importancia, el paso del tiempo cambia la percepción. Más del 66% de las madres encuestadas lamenta no tener suficientes imágenes junto a sus hijos durante etapas importantes como cumpleaños, celebraciones o los primeros años de vida. La ausencia en las fotos acaba traduciéndose en una sensación de pérdida de recuerdos compartidos.
El estudio invita a replantear un gesto cotidiano: si siempre es la misma persona quien toma la fotografía, también queda fuera de la memoria visual familiar. Algo tan simple como turnarse o ofrecerse a hacer la foto puede ayudar a que quienes suelen documentar la vida familiar también formen parte de ella.
La compañía estadounidense GoPro ha dado un paso decisivo hacia el segmento profesional con el lanzamiento de su nueva gama MISSION 1, una familia de cámaras que redefine los estándares del sector al combinar resolución 8K, tamaño compacto y resistencia extrema. Presentadas desde San Mateo, estas nuevas herramientas están dirigidas tanto a cineastas como a creadores de contenido en entornos exigentes.
La serie se articula en tres modelos principales: MISSION 1 PRO, MISSION 1 PRO ILS y MISSION 1, todos ellos impulsados por un nuevo sensor de 1 pulgada y 50 megapíxeles junto al procesador GP3, fabricado en 5 nm. Esta combinación permite alcanzar cifras inéditas en cámaras de este tamaño, como grabación en 8K hasta 60 fps, 4K a 240 fps y ráfagas en cámara lenta de hasta 960 fps en Full HD.
“El contenido tendrá un aspecto increíble”, afirmó Nicholas Woodman, fundador y CEO de la compañía, al presentar una gama que responde a una demanda histórica de usuarios avanzados. “Nuestros clientes más exigentes nos han pedido durante años que fabriquemos estas cámaras, y por fin lo hemos hecho”.
Uno de los puntos clave es el rendimiento en condiciones de baja luz, gracias a píxeles de hasta 3,2 μm y un rango dinámico de hasta 14 pasos, lo que permite capturar imágenes equilibradas incluso en escenarios complejos. Además, la incorporación de una unidad de procesamiento neuronal con IA optimiza el tratamiento de imagen en tiempo real.
La versión PRO ILS introduce un concepto novedoso en el catálogo de GoPro: una cámara sin espejo ultracompacta compatible con lentes Micro Cuatro Tercios, ampliando significativamente las posibilidades creativas. Por su parte, la MISSION 1 mantiene gran parte del ADN técnico, pero con configuraciones más contenidas para un público amplio.
La firma tecnológica OPPO ha mostrado por primera vez el diseño de su próximo buque insignia, el Find X9 Ultra, un dispositivo que vuelve a poner el foco en la fotografía móvil como principal argumento. Junto a este adelanto, la compañía ha confirmado la llegada de nuevos productos para su ecosistema conectado, entre ellos el Watch X3, los auriculares Enco Clip2 y un kit fotográfico desarrollado en colaboración con Hasselblad.
El nuevo terminal introduce un lenguaje de diseño bautizado como Master Lens, claramente inspirado en cámaras profesionales. El módulo trasero, de gran tamaño, incorpora elementos estéticos que evocan objetivos clásicos, como patrones que recuerdan al anillo de enfoque o detalles geométricos similares a las palas de apertura.
La colaboración con Hasselblad no se limita a lo técnico, sino que también se refleja en la estética. De hecho, el dispositivo incluye un botón físico dedicado a la cámara en el característico color naranja de la marca sueca, pensado para facilitar el acceso rápido a las funciones fotográficas.
Más allá del propio smartphone, OPPO ha presentado un accesorio orientado a usuarios avanzados: el Hasselblad Earth Explorer Kit. Este conjunto busca transformar el teléfono en una herramienta más cercana a una cámara tradicional.
Madrid (España), 9 de septiembre de 2025.- Canon Europa ha anunciado hoy el lanzamiento de la nueva EOS C50, una cámara EOS Cinema híbrida con montura RF, full frame y muy versátil, para los videógrafos profesionales y los equipos de producción muy dinámicos.
La EOS C50, la cámara más pequeña hasta la fecha de la serie EOS Cinema, se adapta a la perfección a una amplia variedad de configuraciones de grabación cinematográfica, desde filmaciones rápidas a producciones a gran escala. Su diseño compacto, no obstante, incluye una gran variedad de prestaciones profesionales.
En el centro del diseño exclusivo de la EOS C50 se encuentra un nuevo sensor CMOS 7K full frame que, junto con un procesador avanzado DIGIC DV 7, proporcionan una calidad de imagen espectacular, tanto para la grabación en vídeo como para hacer fotos, incluida la grabación interna de vídeo RAW a hasta 7K a 60P, grabación a alta velocidad hasta 4K a 120P / 2K a 180P, así como fotografías de alta resolución de 32 MP y mucho detalle.
