viernes, 30 de noviembre de 2012

Fabricación de una cámara de 45.000 euros


En el mundo hay cámaras y hay cámaras. Leica es una de esas marcas que, con sólo nombrarla, evoca sentimientos muy profundos en muchos fotógrafos. Es algo más que una simple marca de cámaras, es un sentimiento, y tiene un significado.
Leica es muy conocida por sus gamas de lujo MP y M7, y continuando estas series M tenemos el modelo M9-P Edition Hermès, una edición limitada por la que hay que pagar no sólo la marca, sino este hecho de ser limitada y el nombre que acompaña el modelo. Y a un precio considerable.
No sólo tenemos una cámara de lujo, sino que su cuero premium le da un aspecto impresionante. Sólo ver esta cámara ya es una maravilla. Podemos conseguirla en dos sets diferentes, uno del que existen 300 unidades, viene acompañado un objetivo Leica Summilux 50 mm f/1.4 ASPH y tiene un precio de 25.000$, y otro del que tan solo existen 100 unidades y viene con tres objetivos: Leica Summicron-M 28 mm f/2 ASPH, Leica Noctilux-M 50 mm f/0.95 ASPH y Leica APO-Summicron-M 90 mm f/2 ASPH, además de una bolsa hecha totalmente a mano que acompaña el equipo, por el módico precio de 50.000$
Para que todo esto tenga sentido, en Leica han preparado un impresionante vídeo explicando cómo se fabrica que es una delicia para los sentidos, disfrútalo:



¿Sabías que la Leica fue la primera cámara práctica de 35 mm? 


Los primeros prototipos fueron construidos en 1913. De hecho, las primeras cámaras Leica surgieron como simples mecanismos para poner a prueba los objetivos elaborados por la empresa, no con ánimo de fabricar cámaras completas. La cámara fue un éxito total cuando fue presentada en la feria alemana de primavera en Leipzig en 1925, dándose a conocer con el nombre de Leica I

También os dejo un vídeo de la fabricación de las lentes de Leica:




jueves, 29 de noviembre de 2012

Steve McCurry

Es un foto periodista estadounidense mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía La niña afgana, aparecida en la revista National Geographic en 1985.
Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán (1978-1992),se encarga de buscar el momento inesperado, para que el alma oculta apunto de salir, salga reflejando la experiencia grabada a fuego en la cara de las personas.
Sus fotografías son bastante estremecedoras  nos hacen reflexionar sobre temas que igual no nos habíamos planteado antes, todas están llenas de sentimientos.
Aquí os dejo su galería, donde podréis echar un vistazo a sus fotografías.
También os dejo otro blog donde se tratan temas interesantes sobre fotografía y tienen un buen artículo sobre él y su trabajo.
“Si sabes esperar, la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz”

martes, 27 de noviembre de 2012

LA FOTOGRAFIA EN GUERRA!


entevista a un fotografo deportivo


Entrevistamos a Alberto Lessmann, fotógrafo deportivo
Captar el momento idóneo es un elemento imprescindible de la comunicación, que en ocasiones nos puede narrar toda una situación sin la presencia de textos.
ampliar foto
Es un placer para mí presentaros a una gran persona, que tuve oportunidad de conocer y cuyo trabajo se convirtió en un regalo para mis ojos y para mi afición a la fotografía del motor.
Alberto es el típico personaje que es capaz de coger plastilina y convertirla en todo un Miguel Ángel, sólo que él trabaja con una cámara. Le pude acompañar en el Red Bull X-Fighters y compartir su trabajo en este complicado mundo de la foto de competición.
Soymotero: ¿Cómo te entró el gusanillo por el mundo de la fotografía?
Alberto Lessmann: Bueno, la verdad es que desarrollé la vena creativa desde muy pequeño. Mi madre me enseñó piano durante mi niñez, desde los 4 años hasta los 12 estuve estudiando, y creo que de ahí me viene esa inquietud. Cuando cumplí los 17 años me interesaba tanto la fotografía que decidí matricularme en la escuela C.E.V., especializándome en fotografía de modas y publicitaria. Aunque al concluir los estudios no me dediqué a ello, pues siempre he estado relacionado con los estudios de grabación y compaginé mi formación en imagen con el sonido y, cosas de la vida, terminé en un estudio trabajando.
SM: ¿y por el del mundo del motor?
Lessmann:Esto me viene de muy pequeño como aficionado al motor, me gusta cualquier cosa que funcione con gasolina. Llevo practicando Motocross a nivel amateur unos 15 años, aunque el resto de disciplinas también me encantan.
A fin de cuentas, creo que era casi inevitable que me dedicara al final a la fotografía del motor.
SM:¿Cómo fueron tus inicios?
Lessmann: Yo trabajaba como freelance y un día conocí a un buen amigo, Israel Medrano, que tiene una agencia de comunicación.
Quedamos un día para hablar del tema, le gustaron mis fotos, y empezamos a colaborar.
Alberto Lessmann - Red Bull X-Fighters Madrid 2009
Secuencia de salto en el Red Bull X-Fighters Madrid 2009.

Después de esto, sigo como freelance, pero ya con una cartera de clientes fijos como Formula MotoMotoracing & superbikesQuad & Jet , MotoverdeScootingAutofacil, así como las agencias Sutton & Shutterstock, donde se quedan con mis trabajos.
SM:¿Qué parte tiene más peso en tu día a día, motos o coches?
Lessmann: Creo que un poco más las motos, porque hago bastantes más trabajos de motociclismo que de coches, pero la verdad es que me gustan por igual.
SM:¿Cuál crees que es la mejor foto o el momento en que mejor se ha visto reflejado tu trabajo?
Alberto Lessmann - Casey Stoner
Casey Stoner.

Lessmann: Eso no lo tengo muy claro, de hecho creo que todavía no ha llegado… (risas). A lo mejor me quedaría con alguna foto de portada de alguna revista, pero como no lo tengo del todo claro, todavía estoy esperando esa foto.
Si tengo que destacar alguna foto que me haya gustado, creo que es la que hice en el Gran Premio de Cheste de 2008, en la que se ve a Stoner entre unos guardarraíles. Fue publicada a doble página en la revista Motoracing & Superbikes. Esa me gusta en especial.
SM:¿Dentro del paddock del Mundial, quién es el piloto más accesible para que lo fotografíen?
Lessmann: Este es un tema algo complicado, la verdad que en MotoGP todos los pilotos punteros son casi inaccesibles. Sin embargo, según bajas de categoría, resultan más cercanos. En 250 cc son más accesibles y en 125 cc casi en cualquier momento los puedes fotografiar.
Por la simpatía que siempre muestran y su disposición en cualquier momento me quedo conRossi y Toni Elías, son personas muy simpáticas y con buen humor.
Alberto Lessmann - Álvaro Bautista
Álvaro Bautista recibiendo el cava del triunfo.

SM:¿y circuito?
Lessmann: Uno de los que más me ha gustado es Magny Cours, pues es muy técnico y rápido, aunque actualmente no se corre en moto. Pero sin duda el que más me ha llenado ha sido el de Indianápolis, un circuito mítico.
SM:¿Cuánto material es necesario llevar para cubrir un Gran Premio como el pasado de Valencia?
Lessmann: Yo te puedo decir que lo llevo todo. Aunque intento no cargar en exceso pues luego tienes problemas en los aeropuertos con el sobrepeso.
Muy importante llevar todo en una sola maleta o bolsa y otra muy pequeña con el portátil, así es muy raro que te paren, porque nunca hay que facturar nada.
Es importante poder cubrir muy bien el evento en cuestión. Por eso, dependiendo de donde vayas a trabajar, debes organizar el equipo. No es lo mismo ir a un Campeonato del mundo de Motocross, que MotoGP o F1.
Este es el material que utilizo en los Grandes Premios de velocidad:
  • 2 Cámaras Nikon D300
  • 2 Flash Nikon Sb 900
  • 1 Monopie muy pequeño que entre en la maleta de fotografía.
  • 1 Objetivo Nikon AFS-II 600 mm
  • 1 Objetivo Nikon 70/200
  • 1 Objetivo Nikon 12/24
  • 1 Objetivo Nikon 10.5
  • 1 Duplicador 1.4 + otro dupli 1.7
  • 10 tarjetas de 8 GB y dos discos duros de 500 GB
  • Baterías, cargadores y demás.
SM:¿Es duro andar siempre de un lado a otro?
Lessmann: Bueno, duro? No sé qué decirte, la verdad es que a mi me gusta bastante, lo mismo hoy estoy en Madrid, que en Indianápolis, Francia o Estoril.
¿Todo trabajo tiene un sí para Lessmann?
No lo creo. Como freelance suelo elegir mucho mis trabajos, me tiene que atraer lo que voy a fotografiar y si se trata de un reto, mucho mejor. De momento puedo elegir, en un futuro… ya veremos.
Alberto Lessmann - Kawasaki ZX6 R 2009

SM:¿Cuál crees que es la esencia de un buen fotógrafo?
Lessmann: Creo que lo primero es saber cubrir todos los momentos del evento o las expectativas de la empresa que te contrata. Dando por hecho que esto lo tenemos cubierto, entramos ya en la visión más personal que tenemos cada fotógrafo y ahí ya interviene la forma de entender de cada uno la fotografía.
Cada uno lo interpretamos de un modo diferente. Yo voy a mi aire en este sentido.
SM: ¿Con tanta competición imagino que habrás visto de todo?
Lessmann: He llegado a ver a un fotógrafo salir en calzoncillos a la sala de prensa después de darse una ducha (le escondieron la ropa) esto fue durante el Gran Premio de F1 en Valencia……sin comentarios.
O me han hecho varias veces borrar alguna foto de la tarjeta de memoria… Pero no saben que se pueden recuperar ¡Je, je, je!

lunes, 26 de noviembre de 2012

OTOÑO


13 Estupendos Consejos para Hacer Fotografías en Otoño


 Acaba de empezar el Otoño. Esta estación brinda unas muy buenas oportunidades para hacer estupendas fotografías de naturaleza o paisajes.Queremos darte una serie de consejos para que puedas hacer mejores fotos.Y es que el Otoño es una estación preciosa para colgarte la cámara y salir a hacer buenas fotos.



1. Haz Fotos al Amanecer o al Atardecer

Las mejores horas para hacer fotos son al salir el sol y antes de que éste se ponga. A estas horas, el ángulo de incidencia de la luz solar hace que se resalten las tonalidades amarillentas y rojizas de las hojas de los árboles.
Programa tus salidas en la medida de lo posible y evita las horas centrales del día cuando vayas a hacer fotos. Conseguirás mucha mejor luz al amanecer y al atardecer.


2. Combina Diferentes Colores...

Foto de gislehEn función del tipo de árbol, podrás encontrar muchas variantes de tonos rojizos, amarillentos, verdes y marrones.
Prueba a realizar composiciones fotográficas en las que aparezcan varias especies vegetales, consiguiendo combinaciones de diferentes tonos para mostrar la variedad de los colores del otoño.



3. ... O Juega con un Único Color

Al igual que un buen recurso es variar los colores, puedes también trabajar un único color.Dentro de un mismo árbol podrás encontrar diferencias sutiles en las tonalidades que te permitirán jugar con la riqueza de un único teórico color.


4. No Olvides la Fotografía en Modo Macro

Foto de Zest-pkNo pienses únicamente en fotografías paisajistas con distancias focales cortas. El otoño da posibilidades muy interesantes a la hora de mostrar los detalles.
Prueba, por ejemplo, a fotografiar hojas, jugando con la gradación del tono que muestren.





5. Prueba Diferentes Ángulos

Cambia constantemente de posición. No te quedes únicamente en la clásica foto desde el punto de vista quien tienes cuando te encuentras de pie, con la cámara a la altura de los ojos, mirando hacia delante.
Levántate, agáchate, gira la cámara, tírate al suelo, súbete a algún alto... Cualquier variación sobre la posición natural que uses a la hora de hacer fotos generará interés el la foto resultante.

6. Prepárate para los Cambios Día a Día

Fotografía de Idle TypeLos efectos de la estación otoñal se pueden apreciar día a día.
No te descuides y observa el entorno que quieras fotografiar, si estás familiarizado con él, para no dejar escapar lo días en los que los árboles muestren sus mejores tonalidades, antes de que pierdan todas las hojas de sus ramas.
Ten en cuenta también que en las cimas de las montañas la estación avanza de otra manera, afectando a los árboles de forma diferente en función de la altura.



7. Hojas, hojas, hojas

El elemento diferenciador del otoño son las hojas de los árboles. Pero no es necesario que estén en las ramas de los árboles.
Céntrate en un árbol, o en una rama, o en unas cuantas hojas. Busca hojas en el suelo, sobre una piedra, amontonadas en el la orilla de un río. Tarta de sacar la esencia del otoño en tus fotos.


8. Busca el Agua

Fotografia de Nicholas T.Los árboles junto a las distintas fuentes de agua ofrecen posibilidades muy interesantes a la hora de obtener buenas composiciones en tus fotos.
Busca ríos, lagos, cascadas, saltos de agua, ... Los reflejos de los árboles en el agua aportarán una fuerza espectacular a tus fotos. Si dispones de una oportunidad de reflejar los colores en el agua, no la pierdas.
Puedes trabajar también técnicas de fotografía del agua en movimiento en esta época del año. El colorido del entorno natural proporcionará un buen marco para este tipo de fotos.


9. Ajusta el Balance de Blancos

Si no estás disparando en RAW porque tu cámara no lo permita (cómo, ¿que tu cámara tiene RAW y no lo usas aún? Entérate de las diferencias entre RAW y JPEG aquí), ajusta el balance de blancos de tu cámara al modo nublado para conseguir unos colores más vivos.





10. Prueba a Subexponer un Poco

Foto de code poetLa medición de tu cámara puede jugarte una mala pasada si el Sol se filtra a través de las hojas amarillas con suficiente fuerza. Para conseguir unos colores bien expuestos, prueba a subexponer un poco la foto.
De todos modos, si tu cámara dispone de histograma, fíjate bien en la información que te proporciona después de cada toma, porque es la mejor referencia que tendrás de lo bien o mal que estás achiendo las fotos en lo que a exposición se refiere.




11. Si tienes un Filtro Polarizador, Úsalo

Los filtros polarizadores resultan muy útiles haciendo fotos en un entorno natural por dos motivos fundamentales :


 * Por un lado, eliminan reflejos sobre superficies no metálicas  como es el caso del agua. Tanto si estás haciendo fotos donde haya una fuente de agua como un río o un lago, como si no la hay pero las hojas tienen acumulada agua por la humedad, el filtro polarizador te ayudará.

*Por otro lado, los filtros polarizadores realzan el colorido de las plantas.



12. Satura los Colores

Foto de sunekoCuando estés en casa y ajustes tus fotos, prueba a saturar un poco los canales rojo y amarillo.
También puedes probar a aplicar un filtro amarillento para dar un tono más cálido a la escena, si acaso el ajuste del balance de blancos no lo ha hecho de por si.





13. Prepárate para la Climatología

Aunque no sea un consejo sobre fotografía en sí, creo que es crucial recordarte que, si vas a pasar varias horas fuera con tu cámara, te protejas adecuadamente tanto tí como a tu material fotográfico. El tiempo en esta época del año suele ser fresco y húmedo, y puede ser bastante cambiante.
No hay nada peor a la hora de hacer fotos que no estar agusto. Sentirte frío o mojado no te ayudará a sacar lo mejor del otoño con tu cámara. Y como tu equipo se moje o se estropee, te acordarás de tu salida fotográfica por una buena temporada.


















UNA DE SETAS.......¡.MARCHAAAANDO¡


















domingo, 25 de noviembre de 2012

Nikon patenta una cámara arrojadiza.

Se trata de la patente 2012-189859 del diseñador Junho Yoon. La idea es una cámara que se puede tirar al aire y que esta captura una imagen desde arriba. En la patente se incluyen acelerometros y sensores de velocidad, pero no es tan fácil como parece, ya que la cámara debe resistir golpes. Con el fin de sobrevivir a la caída, Nikon dotara a la cámara de una óptica inteligente, la cual se cerrara antes de caer para así proteger la lente. Este es un dibujo que se incluye en la patente.

En esta imagen se ven las acciones que realiza la cámara al ser lanzada, el punto T0 es el punto de inicio en el cual el usuario lanza la cámara, a medido que la cámara asciende va perdiendo velocidad vertical hasta llega a una velocidad 0, punto donde la cámara supuestamente captura la imagen. En ese momento la cámara empezara a descender siendo en el punto T3 donde la óptica se guarde para protegerse del impacto, en el punto T2 la óptica deberá estar guardada y en el punto T1 contactar con el suelo



Como en todas las patentes, de los bocetos iniciales al diseño final hay mil cambios, como veis en el dibujo de la patente, estas son muy simples y muy esquemáticas  Sinceramente después de estar un buen rato pensando en si un producto como este tendría mercado, la respuesta no es muy optimista. Teniendo en cuanta el gasto como, el desarrollo de la lente y la necesidad de hacer el cuerpo resistente a golpe, el precio no creo que se situé por debajo de los 200$.

sábado, 24 de noviembre de 2012

Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer Nipón.

El japonés Yu Yamauchi, ha acampado nada menos que 600 días cerca de la cima del Monte Fuji sólo para conseguir las fotos que he puesto al final de esta entrada. Todas y cada una de las fotos son alucinantes.
Hay que hacer hincapié que no acampó los 600 días seguidos sino que lo realizó a temporadas durante 4 años para completar varias decenas de fotos cada vez. Vista la belleza del amanecer desde ese punto, nos imaginamos lo larga que se tiene que hacer la espera allí hasta el siguiente día.


 Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón

 Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón

 Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón Fotógrafo acampa 600 días en la cima de Monte Fuji de Japón para capturar el amanecer nipón

La curiosa técnica de Michal Macku




Michal Macku es un fotógrafo de República Checa cuya obra ya ha viajado con gran éxito por infinidad galerías de todo el mundo. Y uno de los secretos por los que es tan admirado es por su capacidad de crear nuevas y sorprendentes técnicas fotográficas.
La más conocida es la que ha bautizado como Gellage. Consiste en transferir la emulsión fotográfica expuesta y fijada de su base original en papel. Esta sustancia, de textura gelatinosa permite transformar las imágenes originales. Con ello es capaz de crear curiosas composiciones basadas en retratos corporales a los que aplica desgarros, a través de una intervención muy precisa sobre el material fotoquímico.
El resultado final da una imagen con una estructura superficial muy fina. De ahí su nombre: es como la fusión entre la gelatina y el collage. El autor asegura que, montada sobre papel fotográfico, cada Gellage constituye una obra duradera y perfectamente apta para coleccionar.
Michal Macku
En casi todas sus fotografías, Michal Macku utiliza su propio cuerpo como modelo para las figuras. Esta especie de auto-búsqueda parece tener una especie de efecto metafórico en sus obras, en las que según él, como aficionado a la espiritualidad y las religiones orientales, aspira a auto-conocerse.
No dejéis de disfrutar de sus fotografías, visitando su web. Y, por la cantidad de paises de todo el mundo por los que viaja su obra, esperemos que pronto se de una vuelta por el nuestro.

FOTÓGRAFO DE FOTÓGRAFOS

El fotógrafo madrileño Enrique Cano presenta una nueva exposición un tanto curiosa llamada “Fotógrafos. La voluntad de contar”, en la cual rinde homenaje a los fotógrafos profesionales de España con retratos de estos mismos.

Enlace: http://www.fundacion.telefonica.com/es/que_hacemos/convocatorias/detalle/29_10_2012_esp_3632

Erwin Olaf

Erwin Olaf, nacido en 1959 en Hilversum, Holanda, vive y trabaja en Amsterdam desde comienzos de los años 80, teniendo su estudio y lugar de trabajo en una antigua iglesia. La fotografía de Olaf es una mezcla de fotoperiodismo y estudio. Su alumbramiento al panorama internacional de la fotografía ocurrió en 1988 a raiz de su serie “Chessmen” por la que fue galardonado con el primer premio en la “Young European Photographer Competition”. Tras este premio le siguió una exposición en el Museo Ludwig de Colonia, Alemania. Desde entonces a continuado explorando los territorios de las cuestiones de género, la sensualidad, el humor y la desesperación en sus series fotográficas.

La obra de Erwin genera grandes adhesiones y también fuertes rechazos, estos últimos debidos sobre todo a su manera directa y explícita de abordar temas como el sexo, el deseo, la belleza y la violencia, una libertad y desinhibición que en su caso siempre han ido acompañadas de una incisiva crítica de la hipocresía social, los tabúes, la doble moral o el abuso consumista; en definitiva, todo aquello que la sociedad contemporánea todavía acostumbra a ocultar o enmascarar aun a sabiendas de que ocupa un espacio esencial, no sólo en nuestras vidas, sino en la propia estructuración de nuestra sociedad. Lo curioso es que esta posición, desarrollada en su trabajo artístico, coexista, en el caso de Olaf, con una destacada trayectoria como fotógrafo de publicidad.



Algunos ejemplos de sus fotografias son:
Serie: Royal Blood – “DI 1997″
 Es una fotografia que representa a Lady Di con el simbolo de mercedez clavado en el brazo ya que murio en uno de estos coches.


Serie: Paradise Portraits – “HARRIE”

Serie: New York Times Couture – “VALENTINO”
Serie: Mature – “ANNA NICOLE 75″

http://www.enkil.org/2009/09/25/erwin-olaf-el-genio-de-la-fotografia/

jueves, 22 de noviembre de 2012


“No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso”. ANSEL ADAMS

El Maestro aparece cuando el alumno está preparado.

“Entre las muchas formas de combatir la nada, una de las mejores es hacer fotografías.” JULIO CORTAZAR

Tus primeras 10.000 fotos serán tus peores fotos.
Henri Cartier-Bresson



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