lunes, 21 de marzo de 2016

Ganadores del Premio Nacional 2016 de los SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS 2016

60 FOTOS MEMORABLES DEL MUNDO REPRESENTADAS EN LOS SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS 2016

Los Sony World Photography Awards se han convertido en el certamen de fotografía más grande del mundo, es organizado por la World Photography Organisation (WPO).

Lo atractivo de este concurso es que no tiene costo y cualquier persona puede participar, las categorías son: Profesional, Abierta, Juvenil, Premios Nacionales y Foco Estudiantil.

En la categoría de Premios Nacionales se otorga un reconocimiento a lo mejor del mundo, el concurso es abierto y a diferencia de la categoría profesional donde se piden varias fotos, aquí el jurado se basa en una sola fotografía, la mejor de cada fotógrafo de cada país inscrito en la categoría. El resultado son 60 espectaculares fotografías que nos presentan el mundo desde la perspectiva de uno de sus habitantes, imágenes que podéis disfrutar en:  worldphoto.org

La fotografía ganadora por España es de Pedro Diaz Molins :



En segundo lugar, una fotografía de Daniel Arranz Molinero :



Y, en tercer lugar, una fotografía del fotógrafo Carlos F Turienzo :



domingo, 13 de marzo de 2016


Consejos para realizar fotografía nocturna:
http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/fotografia-nocturna-algunos-consejos
Nuevos premios para el fotógrafo Johnny García:
http://johnnygarcia.es/noticias/

Método de revelado de Juan Manuel Castro Prieto.

http://www.fotografodigital.com/articulos/el-metodo-de-revelado-de-juan-manuel-castro-prieto/

De Ponferrada a California, un español de 23 años crea la imagen que representa a Photoshop CC 2015 en el mundo

http://www.fotografodigital.com/articulos/todo-lo-que-se-lo-aprendi-sin-salir-de-casa-entrevista-con-ruben-alvarez-autor-de-la-imagen-de-photoshop-cc-2015/

Más consejos para panorámicas!

http://www.blogdelfotografo.com/consejos-fotografia-panoramica/

Intersante artículo

http://es.gizmodo.com/como-hacer-grandes-fotos-con-la-funcion-hdr-de-tu-movil-1577399723

FLASH Y UN POQUITO DE INGLÉS.


TRUCOS PARA FOTOS ALUCINANTES


Salamanca Ciudad de Cultura convoca concurso de fotografía por el VIII Centenario de la Orden de Dominicos

Los interesados en fotografiar el interior del Convento de San Esteban deberán inscribirse en la sede de la Fundación antes del 1 de abril. Podrán acceder al interior del Convento, sin abonar la entrada, del 4 al 22 de abril.
El plazo para presentar las fotografías es de 16 al 31 de mayo. Se establece un primer premio de 600 euros y un segundo premio de 300 euros.

http://www.agenciadenoticias.es/salamanca-ciudad-de-cultura-convoca-concurso-de-fotografia-por-el-viii-centenario-de-la-orden-de-dominicos/35406

Cultura inaugura dos exposiciones de pintura y fotografía en Salamanca

Se podrán visitar en el salón multiusos hasta el próximo 20 de marzo.
El salón multiusos del ayuntamiento de Alba de Tormes acoge desde hoy dos exposiciones ‘Salamanca inhóspita en tiempo de silencio’ y ‘Exbapo’.  La primera es una exposición inédita, en la que figuran 14 fotografías de la Salamanca de mediados del siglo XX en el barrio de Los Pizarrales y de La Prosperidad. Por otro lado, Exbapo, muestra obras de alumnos de Bellas Artes de Salamanca.
Horario: de lunes a viernes de 10 a 14 h, sábados y domingos de 12 a 14 h y de 17 a 20 h.




‘Glasgow. 1980’, nuevo libro del gran Raymond Depardon con un trabajo inédito.




El veterano fotógrafo francés Raymond Depardon acaba de publicar un nuevo libro, de escueto título ’Glasgow. 1980’. Se trata de un trabajo inédito, no publicado en su momento y que ahora ve la luz en forma de fotolibro para disfrute de los que admiramos su talento.
La publicación británica Sunday Times Magazine le encargó un trabajo en 1980: fotografiar la ciudad escocesa de Glasgow. No era una tarea fácil para un fotógrafo acostumbrado a otros escenarios más meridionales, donde luz era mucho más potente. Sin embargo, fue capaz de armar un reportaje bastante sólido donde reflejó con talento esa luz del norte británico y, sobre todo, ese escenario de una ciudad industrial sumida en una etapa de depresión, en plena era Thatcher y golpeada por la pobreza.

Un trabajo muy crudo que no se publicó



El bagaje de Depardon en entornos bélicos (llegaba de Beirut cuando llegó a Glasgow) le ayudó a encontrar un tono común en la mayor ciudad de Escocia. Callejones solitarios y grises, niños jugando solos, ciudadanos cabizbajos y un aspecto de ciudad triste y deprimida. Así se encontró Depardon esta ciudad y así la supo reflejar. Con gran crudeza, de forma directa y en cuyo conjunto se aprecia claramente ese sentimiento. Quizás fuera tan gráfico que, por esta razón, el encargo del Sunday Times no fue publicado finalmente.
Ahora, cuatro décadas después, se recupera este estupendo reportaje con un nuevo libro al que acompaña una exposición en la Barbican Gallery de Londres. Depardon, miembro de la agencia Magnum, cuenta ahora con 73 años y ha reconocido que en aquel momento le sorprendió la pobreza: "Trabajé allí como lo había hecho antes en Beirut, sin perjuicio. Me sorprendió la luz y la gente fue muy amable. Me dejó triste que el trabajo no se publicara pero ahora, al menos, me siento orgulloso de vea la luz en forma de exposición de libro". Está editado por la editorial francesa Seuil y cuenta con 144 páginas a un precio aproximado de 29 euros en Amazon.





En Magnum | Glasgow, 1980 por Raymond Depardon

Exposición CRISÁLIDAS en Segovia Foto



En del marco del Festival SegoviaFoto 2016, la fotógrafa Ana Tornel presentará la serie de ferrotipos al colodión húmedo “Crisálidas” del 18 de marzo al 1 de mayo 2016 en el Palacio de Quintanar de Segovia.

CRISÁLIDAS

Observamos con facilidad el gusano y la mariposa, pero lo que atrae la atención de Ana Tornel es precisamente la crisálida, una de las fases de mutación más espectaculares que ofrece la naturaleza. Con la particularidad de que las ninfas de la fotógrafa son humanas, pues nuestra vida está cuajada de crisálidas, de períodos en los que sufrimos cambios de toda índole, físicos y psicológicos.
A partir de la adolescencia, etapa en la que se opera el paso de la infancia a la adolescencia, nuestras crisálidas son esos estados de duda, de tensión o de conmoción en los que, camufladas tras una fragilidad aparente, se mueven y oponen fuerzas potentes, a veces violentas, cuya resultante nos es desconocida de antemano.
La fotógrafa trata igualmente de captar la lucha casi incesante en la que se enfrentan ánima y materia. Mediante la observación del cuerpo que posa delante del objetivo, intenta desvelar el espíritu que le alienta. Esta operación se produce gradualmente, en complicidad y harmonía con el modelo, que deja de serlo para reafirmarse como persona.
La crisálida viene a simbolizar el trabajo de Ana Tornel, y esta química efímera que nace entre ella, su sujeto y la técnica del colodión húmedo. Incluso cuando se domina perfectamente, este proceso es capaz de imponer su ley al fotógrafo, derribar sus certezas y proponerle otra cosa – un terreno desconocido, una experiencia inédita. A veces son precisamente esos incidentes, lejos de la imagen preconcebida, los que hacen que el sujeto aparezca tal y como es.

COLODIÓN HÚMEDO

Se trata de un proceso que se inscribe en los comienzos de la fotografía. En 1850 el francés Gustave Le Gray lo cita en su tratado de fotografía y en 1851 Frederick Scott Archer lo publica en la revista The Chemist. La técnica conoce un gran auge que durará más de treinta años.
Dicho proceso consiste en sensibilizar en un baño de nitrato de plata una placa de vidrio o metal recubierta de una fina capa de colodión fotográfico, exponer en una cámara, revelar y fijar la imagen mientras que el colodión está todavía húmedo, unos quince minutos. Las imágenes así obtenidas tienen una asombrosa fineza de grano y una gama tonal muy amplia. Su calidad es inigualable incluso con los procedimientos actuales.
A partir de los años 1880, el colodión húmedo se reemplaza por otros procesos más sencillos de realizar. Pero a mediados de los años 1990 sale del olvido gracias principalmente a fotógrafos americanos. Esta técnica representa probablemente un contrapunto a la fotografía digital, en la que la intervención del fotógrafo o del artista se realiza de forma virtual, ya que el colodión húmedo es un proceso químico y físico, que se puede palpar con la yema de los dedos.

ANA TORNEL

Tras haber realizado una formación de fotografía profesional en París, Ana Tornel continúa en esa ciudad su carrera como free-lance.
El descubrimiento del colodión húmedo en 2012 es el trampolín que la propulsa hacia nuevos senderos de exploración fotográfica. Mediante su práctica, se distancia deliberadamente de los criterios estéticos en boga y nos invita a una contemplación diferente de lo cotidiano.
Su obra, que se expone desde hace años en Europa y América, también aparece regularmente en publicaciones especializadas y libros.


Las fotografías de Jesús Formigo invitan a reflexionar sobre el narcisismo

Este viernes, en La Salchichería (plaza del Oeste), se ha inaugurado la muestra fotográfica ‘Narcissus’ de Jesús Formigo. La exhibición procura reflexionar sobre "el narcisismo, una realidad tan vigente hoy en día como nunca lo había sido antes, palpable a través de las redes sociales, la moda, la publicidad" en palabras de su autor.

La muestra se podrá visitar desde el 11 de marzo hasta el 2 de abril entre las 10.00 y las 22.00 horas.


http://salamancartvaldia.es/not/109615/fotografias-jesus-formigo-invitan-reflexionar-sobre-narcisismo/

sábado, 12 de marzo de 2016

Todos sabemos que la mejor marca es Nikon, pero está bien escuchar a otras personas.

http://www.blogdelfotografo.com/la-mejor-marca-camara-fotos/

Todos los Secretos para Montar un Impresionante TimeLapse en Casa



Después de 9 meses y unas 50.000 fotografías, de las cuales solo han formado parte del vídeo final alrededor de 5.000, por fin terminé mi timelapse sobre flores. Me ha costado más de lo previsto, ya que al principio pensaba que era poner la cámara y la flor y a disparar, pero me he encontrado con multitud de problemas para que salgan bien las tomas, que me gustaría compartir contigo, por si te animas a realizar algo parecido. ¿Me acompañas?

Preparando la escena

Primero, voy a contar cómo preparé la escena, ya que el timelapse lo he grabado en un pequeño rincón de mi habitación, con un espacio de aproximadamente 80x80cm y un metro de alto, lo suficiente para que entrasen las flores más altas. En frente de ese rincón se encontraba la cámara, a los lados dos flexos de los que tenía por casa con algo de papel de aluminio para que la luz rebotara en éste y llegase a la flor de manera más difusa. En el fondo puse una tela negra y en el medio, las flores.

El equipo

El equipo que he usado ha sido una cámara bridge (una Fujifilm Finepix HS30EXR), un disparador remoto, una fuente de alimentación para la cámara (importante para no tener que estar cambiando la batería cada pocas horas) y trípode. Para sacar las fotografías usé un intervalo de entre 30 segundos y 10 minutos, dependiendo de la flor, ya que algunas como el diente de león se pueden abrir en media hora y otras como la peonía pueden tardar 3 o 4 días.

¡Y aquí está el resultado!

https://vimeo.com/98276732


Problemas principales con los que me he encontrado

Hasta que no te pones manos a la obra, no sabes a priori todos los inconvenientes con los que puedes encontrarte, por lo que si alguna vez os animáis a realizar un trabajo de este tipo, os cuento cuáles han sido los principales problemas con los que yo me he encontrado:
  • No sabes qué flores tardan poco en abrirse.
  • Florece rápido y bien, pero al abrirse, la flor se sale del foco o del encuadre.
  • Se funde uno de los flexos y tienes que cambiar la bombilla.
  • Se va la luz.
  • La flor se abre correctamente, pero resulta que está estropeada y no resulta estéticamente todo lo bonita que debería ser.
  • Cuando vas a montar el vídeo, resulta que la flor estaba llena de bichos que no habías visto a simple vista, por lo que no vale para el montaje.


Consejos en base a mi experiencia

Al final con la experiencia vas solventando estos problemas, y por si alguno os animáis, aquí os dejo con algunos consejos:
  • El primero es que cuidéis las plantas que van a salir en el timelapse (sobre todo si vais a usar una de maceta). Tened en cuenta que si os sale una planta que esté medio seca o con bichos probablemente hayáis tirado dos o tres días a la basura.
  • Preguntad a vuestro florista por las flores que se abren más rápido. En mi caso fue una gran ayuda, tanto para las flores de maceta como para las flores sueltas que le compraba.
  • Usad un intervalo corto (2-3 minutos) si no sabéis lo que tarda en abrir la flor. Es mejor tener fotografías de sobra que siempre podemos eliminar luego que quedarnos cortos y quede una escena demasiado brusca.
  • La luz directa no queda bien, ya que crea sombras demasiado pronunciadas. Es mejor que rebote en algún lado primero o que pongáis algo delante de los focos que la difumine.
  • Como para casi todos los timelapse, usad enfoque manual.
  • El diafragma, lo más cerrado que podáis sin perder nitidez por la difracción. Al estar bastante cerca de la flor la profundidad de campo va a ser escasa y nos interesa que esté enfocado lo máximo posible.
  • El ISO al mínimo. Juntando esto con el diafragma cerrado nos va a dar un tiempo de exposición un poco largo, en mi caso de 1 segundo, pero al estar sobre trípode eso no importa.
  • Por último y creo que el más importante, tened paciencia. Anda que no me ha pasado veces de estar 2 o 3 días esperando a una flor que no se abría, para quitarla y que a la media hora esté abierta.

Por cierto, si queréis tener una idea de las flores que se abren más rápido podéis echar un vistazo a este post en mi web, donde tenéis los nombres y la imagen de cada una de las flores que he usado en mi timelapse: http://www.daviddelossan.com/flores/

Cinco fotógrafos de moda históricos de los que podemos aprender mucho.





Gracias a la fotografía de moda, grandes fotógrafos han triunfado y han podido cultivar un estilo y un sello que hoy en día los hacen unos auténticos iconos en el mundo de la fotografía de cualquier estilo. Hoy haremos un repaso por el estilo de cinco fotógrafos de moda de los que podemos extraer valiosas lecciones, aplicables a cualquier estilo fotográfico.
La fotografía es una profesión interconectada entre sus vertientes. A través de las diferentes escuelas y generaciones que se han ido sucediendo, se ha construído la fotografía hasta nuestros tiempos. En cualquier tipo de fotografía, de Cartier-Bresson hemos aprendido a esperar al momento decisivo y de Ansel Adams a componer los elementos en la fotografía. Existen muchos más ejemplos de esto, y a continuación veremos 6 lecciones magistrales que se desprenden de estos seis fotógrafos.

Irving Penn (1917-2009)

Cuando pensamos en moda, uno de los grandes nombres que se nos viene a la cabeza es el de Irving Penn, uno de los grandes de Vogue que supo trabajar con una lucidez sobre el medio fotográfico absolutamente pasmoso.


Fotografía de Irving Penn
Por ejemplo, solía emplear grandes angulares para sus retratos, creando un campo de visión amplio pero muy psicológico con respecto al fotografiado. En otras fotografías vemos cómo sitúa a sus modelos en una esquina, formando un fondo con tres líneas que tensa la foto sin que el espectador se dé cuenta.
Aunque trabajó siempre fundamentalmente en estudio, algunas de sus fotografías más icónicas trabajan sobre los blancos y los negros, las geometrías, los pesos visuales y la falta de grises para hacer que el espectador retenga las formas más esenciales en la retina como si fuese un ejercicio de deconstrucción parecido al que hizo Picasso con sus toros.

Richard Avedon (1917-2009)

De Richard Avedon poco se puede decir que no lo digan ya sus fotografías. Fotógrafo de Harper's Bazaar desde los 40 hasta los 66, comenzó posteriormente a fotografiar para Vogue USA. Fue uno de los grandes cultivadores del movimiento en la fotografía de moda y son icónicas sus fotografías de modelos que parecen levitar en el estudio, o su trabajo con animales.


Fotografía de Richard Avedon
Una de sus grandes editoriales fue la que resultó de fotografiar en 1955 a Dovima vestida con un vestido de Dior junto a los elefantes de un circo; a partir de entonces, cualquier referencia a animales en la fotografía de moda, y en concreto con elefantes, es inmediatamente identificada como influencia de Richard Avedon.
El movimiento es otro de los sellos del fotógrafo estadounidense, que trabaja bajo la premisa de la inestabilidad para conseguir imágenes impactantes, Avedon conseguía trabajar de forma experta los blancos y negros como su coetáneo Irving Penn, fotógrafo con el que rivalizaba amistosamente hasta que en 1966 Avedon también pasó a la revista Vogue.
En un campo más personal, los retratos psicológicos que realizó a celebrities como John Lennon, Alfred Hitchcock entre muchos otros, que realizó con un gusto exquisito y que probablemente son los mejores retratos que yo haya visto nunca por su intimidad y por la capacidad de captar la esencia de todo aquel al que fotografiaba. Otro de sus grandes hitos fue 'In The American West', una serie de retratos a desconocidos pero que de alguna forma inspiran esa cercanía psicológica entre el espectador y el retratado.

Helmut Newton (1920-2004)

De Helmut Newton, podemos aprender a sacar el lado más sensual de la fotografía. Siempre trabajó para Vogue (primero Australia y posteriormente Londres), aunque no cuajó laboralmente con la publicación.

Fotografía de Helmut Newton
De Newton se han dicho muchas cosas, desde que era un pervertido a que fue un genio que encabezó la revolución sexual durante los 60 y 70 con fotografías en las quelas medias, los tacones y los desnudos explícitos se convirtieron en su sello personal.
No fue un pervertido porque siempre fue de frente con su estilo, pero también cultivó el voyerismo como una forma de hacer fotografías. Se atrevía a construir planos abiertos creando situaciones cotidianas pero llenas de la morbosidad sexual que siempre le caracterizó. Al contrario de su coetáneo Jean Loup Sieff que trabajó mucho con el desnudo pero desde un plano muy artístico y delicado, a Newton le caracterizaba ese carácter desenfadado, tosco, lleno de visceralidad y sudor.

Guy Bourdin (1928-1991)

Guy Bourdin, aunque falleció una década antes que sus coetáneos, fue una figura muy importante para la fotografía de moda por el uso del color en un estilo que me recuerda al de William Eggleston. Fue un fotógrafo que publicó sobre todo en Vogue aunque también destinó gran parte de sus esfuerzos a la fotografía publicitaria.

Fotografía de Guy Bourdin
En su estilo vemos una tendencia muy fuerte a trabajar con colores muy fuertes a los que se le contrapone la figura femenina muy sexualizada. Estuvo cerca de Man Ray, por lo que Bourdin también experimentó el surrealismo fotográfico con manipulaciones muy coloridas más cerca del mundo del arte que de la fotografía comercial de publicaciones.
Otro de sus sellos es que raramente emplea para sus fotografías la cara de la modelo,veremos con mucha más frecuencia las piernas, el culo, los pies o unos tacones que sin haber nadie encima, dibujan una figura de carácter sexual. No se nota esa morbosidad que sí que se desprende de Newton, sino que el fotógrafo francés trata a las modelos como objetos que moldea en un entorno muy colorido empleando una iluminación y una técnica fotográfica aséptica y clínica, casi como un ejercicio más que una expresión creativa y fotográfica.

William Klein (1928)



No todo va a ser fotografía de estudio, y cuando hablamos de exteriores es cuando el nombre de William Klein brilla por encima de todos los demás. Fotógrafo callejero por vocación, entró al mundo de la moda para ganarse la vida, pero lo que no pudo evitar es hacer uso de su ojo personal para retratar a las modelos que se ponían frente a él.

Fotografía de William Klein
Klein, que en un principio se dedicó al arte pintando piezas centradas en la búsqueda de las formas geométricas. Posteriormente al fotografiar sus piezas con una cámara, descubrió que esta disciplina le permitía expresarse con mayores posibilidades técnicas y artísticas llegando a la fotografía urbana. Con una actidud de descarada desobediencia, hizo de todo con sus fotos: desde trepidarlas a propósito a jugar con el light painting, pasando por jugar a componer a la modelo en una calle usando espejos. Siempre le acompañó una actitud ingobernable propia de los artistas, y mientras sus coetáneos se centraban en trabajar con la mayor de las calidades técnicas y en estudio, él buscó la reacción contraria al entregar a Vogue cantidad de fotos trepidadas y sacando la moda a las calles.
Sus 'fotos serias' como él mismo las llamaba y que compone el grueso de sus trabajos es la fotografía de reportaje, con las que retrataba la sociedad en la que vivía. Famosísima es su fotografía en la que un niño le está apuntando con un arma directamente a la cámara. La influencia de su formación artística se hace patente en la gran mayoría de sus pinturas, componiendo los pesos visuales y los elementos en el encuadre fruto de mucho trabajo (o un ojo muy entrenado), pero con la frescura de una imagen improvisada.

Elliott Erwitt (1928)

Aunque Elliott Erwitt sí que tiene una carrera principalmente centrada en la fotografía documental, también hizo sus pinitos en la fotografía de moda con el humor y la chispa que le caracterizaba. Por su portafolio, 15 años tras su entrada en la Agencia Magnum invitado por Robert Capa, se convirtió en Presidente de la agencia.

Fotografía de Elliott Erwitt
En la fotografía de moda existe el elemento sorpresa en la construcción de situaciones, fruto de la extrañeza de un evento inusual y que atrapa al espectador. Un ejemplo de ello son las fotografías de Anne Leibovitz, que mediante las modelos, los decorados y todo el trabajo de equipo añadido al retoque, crean situaciones mágicas que nos hacen fantasear. Erwitt era un maestro reportero de calle fotografiando con humor todo lo que veía, aunque le encargasen hacer moda.
Algunas de las fotos de moda que Erwitt realizó incluían a un tipo abriendo su gabardina a una señorita o fotografiar los pantalones y los pies de sus modelos junto a perros o animales, tal y como ya hacía en la calle.
Como decimos, Erwitt no era un fotógrafo de moda y seguramente tuvo un par de encargos muy puntuales por su particular visión de la vida, pero aún así de él podemos aprender que no todo recae sobre la modelo y su estilismo. Un fotógrafo debe saber crear situaciones extrañas que despierten la curiosidad del espectador.

13 APLICACIONES DE MÓVIL QUE TU CÁMARA RÉFLEX QUERRÍA TENER (La mayoría gratuitas)

http://www.blogdelfotografo.com/aplicaciones-para-fotografos/

sábado, 5 de marzo de 2016

El Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca presenta la exposición ‘Orla 2.0. Curso 2016’

La muestra podrá visitarse del 4 al 27 de marzo en el Espacio de Cultura Científica de la Hospedería Fonseca.

Esta colección surge como resultado del Proyecto de Innovación Docente “Orla 2.0. La Construcción de la identidad a través del retrato fotográfico”, una iniciativa desarrollada en el marco del Observatorio de los Contenidos Audiovisuales, dentro del Grupo de Investigación de Excelencia de Castilla y León, en colaboración con el Servicio de Actividades Culturales y el proyecto +FACULTAD de esta Universidad, según han explicado en rueda de prensa Manuel Heras, director del SAC, y Javier Frutos, director de la muestra.

El proyecto “Orla 2.0” ha sido elaborado a lo largo de este curso gracias a la colaboración entre los alumnos de Comunicación Audiovisual y de Sociología. A través de este trabajo se ha abordado la fotografía desde distintos puntos de vista, recogiendo la mirada de cada uno de los 47 fotógrafos que han formado parte de esta iniciativa.



Las 20 fotografías que forman parte de la exposición han sido elegidas de entre las 300 que se produjeron a lo largo de la elaboración del proyecto y que han sido incorporadas al repositorio web http://orladospuntocero.usal.es como parte del patrimonio educativo generado por la Universidad de Salamanca.

“Orla 2.0. Curso 2016” supone la tercera edición de un proyecto que pretende visibilizar la potencialidad de la fotografía como forma de construcción de cualquier forma de identidad cultural, ya sea individual o colectiva.

jueves, 3 de marzo de 2016

"La fotografía es mi compañera de vida"




Lisette Pons abre mañana su estudio para mostrar las fotografías analógicas en blanco y negro
Sus imágenes están llenas de texturas que celebran a los elefantes como estrellas del World Wildlife Day





Lisette Pons recaló en Mallorca hace ahora una década y dividió su vida en blanco y negro. El primero, el color de su estudio en la calle Socorro. El segundo, el del laboratorio donde revela e interviene las fotografías que muestra mañana, a partir de las 18.30 horas, para conmemorar el World Wildlife Day, que se celebra con el lema 'El futuro de los elefantes está en nuestras manos'.

Pons ha documentado su decena de visitas a Áfricas con imágenes que luego trata con la "magia" y la demora del revelado tradicional, cuando sus jornadas pasan de la luz del estudio a la oscuridad del taller de revelado.

El resultado son obras de negativo en blanco y negro sobre papel artesano y emulsión de plata, además de un libro de artista también sobre 'El elefante africano', animal con el que se identifica en la demora de sus pasos -artísticos en el caso de Lisette- y en el gusto por el silencio. "Sólo los oyes cuando se alimentan. Ni siquiera sus pisadas, salvo que corran. Se comunican a una frecuencia no audible por el oído humano", explica Pons, para quien, la fotografía actuó como asidero en momentos difíciles. "Me ayudó a volver a vivir, fue la cuerda que me sacó del agujero. La fotografía es, sin duda, mi compañera de vida", prosigue.

El revelado es sólo el punto de partida para el proceso de "destilación" al que la artista somete sus imágenes en busca de "lo que subyace bajo la forma". Porque de esa primera imagen debe "salir la esencia, lo que se oye, no lo que se ve". En realidad, se trata de una síntesis de la vivencia de Pons sobre el papel, de encontrar "la armonía de un sonido redondo y no disonante".

"El color habla de la vida, de la acción, pero pasa deprisa. El sonido del blanco y negro, por contra, queda en ti"

Sus fotografías juegan con las fronteras del dibujo, con blancos y negros que capturan texturas, concentran detalles y emergen como materia. Son imágenes creadas para el recreo del espectador y con sabor de técnicas pretéritas que huyen de la inmediatez. "El color habla de la vida, de la acción y la naturaleza, pero pasa deprisa. El blanco y negro, por contra, permanece. Su sonido queda en ti. Fotografiar en digital es como abrir y cerrar los ojos. La captura es inmediata y operativa: disparas, corriges y ya está. No tiene la magia del proceso analógico, esa oscuridad del laboratorio que implica un recogimiento y un diálogo contigo mismo, aunque siempre el elemento más apasionante es el azar".

Pons es consciente -pese a que le hubiera gustado- que no es "una investigadora", pero quiere con sus obras "tender un puente entre la ciencia y la gente de la calle". En el camino, "ensimismada" con su trabajo y de espalda al mercado, confiesa la dificultad de "expresar y sacar" lo que un artista lleva dentro. "Lo hago porque es mi pasión, mi lenguaje, mi forma de hablar. Estoy en cuerpo y alma en cada una de mis obras", sentencia.

El libro de autor que también presenta mañana en su taller recoge sus reflexiones en la sabana, sus pensamientos en torno al papel que juega el hombre -"el mayor predador"- en la naturaleza, siempre con el elefante como fondo. En ese puntodenuncia "las masacres" de China en la compra de marfil.

Para vivir África, Pons reivindica "una mirada muy amplia", más allá del pensamiento occidental que sólo valora "al que tiene dinero y poder". Los próximos en pasar por su laboratorio y estudio -dentro de la cantidad ingente de negativos con los que cuenta- serán los leones. El reto no será mostrar la fotografía más bella o técnicamente perfecta, sino traducir "esa fuerza y majestuosidad" al papel. En blanco y negro, por supuesto. Y sin atajos digitales.


El fotógrafo surcoreano que encontró un monstruo frente al espejo







Como en la obra de Lewis Carrol, Youngho Kang se mira al espejo para descubrir un nuevo mundo. A este fotógrafo surcoreano también se le conoce como Dancing Photographer (el fotógrafo bailarín) porque su método de trabajo incluye música clásica y movimientos coreografiados con el sujeto al que retrata para realizar lo que él mismo bautiza como el "arte total".

La música clásica domina todas sus sesiones de forma tan natural que Youngho Kang nunca se ha planteado trabajar de otra forma. Baila o realiza movimientos coreografiados con la música mientras se fotografía a sí mismo -solo o acompañado- o a otro sujeto diferente. Gritos, saltos, poses... Todo vale en su performance. Su método de trabajo es único y le ha servido para darse a conocer ante el mundo artístico como 'El Fotógrafo Bailarín'.

https://vimeo.com/119634644

Gabriel Brau ofrecerá un curso de fotografía e impresión digital en B&N

Gabriel Brau, Premio Nacional de Fotografía 2007, impartirá un curso de fotografía e impresión digital en B&N por primera vez en Tomelloso. El curso que ofrecerá el reconocido fotógrafo, autor de libros como 'Luces de África' o 'De la captura de imagen a la impresión fotográfica', incidirá tanto teória como práctica, con una duración total de 20 horas entre los días 4 y 6 de marzo.

[Img #170724]


El curso titulado 'Fotografía digital en blanco y negro con prácticas de impresión Fine Art' desarrollará aspectos teóricos, técnicos y prácticos, sobre la captura, procesado, tratamiento e impresión de imágenes digitales en blanco y negro.

   El Gobierno regional ha informado de que este curso está destinado a Fotógrafos profesionales de cualquier ámbito o especialidad laboral, fotógrafos amateurs de nivel medio/alto interesados en la fotografía de B&N, estudiantes de fotografía, artes visuales o bellas artes y profesionales del mundo de la imagen, el diseño y las artes visuales.

   La inscripción se realizará a través de la web del autor; 'http://gabrielbrau.com/producto/curso-de-fotografia-digital-en-blanco-y-negro-tomelloso/' y el aforo está limitado a 30 alumnos que se aceptarán por riguroso orden de inscripción. El curso se impartirá en las instalaciones de la Escuela de Arte 'Antonio López'.

   Gabriel Brau se inició en el mundo de la fotografía en 1976 y se dedica profesionalmente a ella desde 1989, combinando los trabajos de fotografía publicitaria y comercial, con los reportajes de carácter documental y con la docencia.

   Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en diferentes países de todo el mundo, sus trabajos han obtenido premios de fotografía nacionales e internacionales y su obra forma parte de importantes colecciones y fondos fotográficos tanto públicos como privados.


Fuente: http://eldiadigital.es/not/165342/gabriel-brau-ofrecera-un-curso-de-fotografia-e-impresion-digital-en-b-n/

“No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso”. ANSEL ADAMS

El Maestro aparece cuando el alumno está preparado.

“Entre las muchas formas de combatir la nada, una de las mejores es hacer fotografías.” JULIO CORTAZAR

Tus primeras 10.000 fotos serán tus peores fotos.
Henri Cartier-Bresson



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